actividad musical en la Región Murciana (y no solo)

Charlar y cantar con Veneno y Lichis

2011-01-25T10:41:00.002+01:00

¿Quiénes? Kiko Veneno + Lichis (la Cabra Mecánica/Miguelito)

¿Qué? X jornadas sobre poesía y canción

¿Cuándo? jueves 27 de enero y 03 de febrero de 2011 a partir de las 19h

¿Dónde? campus de la Merced UM + cafetería Zalacaín

¿Cuánto? gratis hasta completar aforo

¿Algo más? organiza AMCA

Gulag split

2011-01-20T20:19:00.002+01:00

¿Quiénes? eeL + #Fo

¿Qué? presentación del epé compartido Gulag split

¿Cuándo? sábado 22 de enero de 2011 a las 23h

¿Dónde? sala 12&Medio

¿Cuánto? 6€

¿Algo más? leer, escuchar y adquirir

Historias de los Marañones

2011-01-09T22:53:00.006+01:00

Los Marañones presentan ‘Tipos raros’

• Miguel Bañón: voz, guitarras y ukelele

• Román García: bajo eléctrico y coros

• Pedrín Sánchez: batería y coros

• Carlos Campoy: órgano y piano eléctrico

Amigos, gracias por asistir al concierto en este marco incomparable… hoy vais a tener una buena ración de Los Marañones…
¡Nos hemos duchado para la ocasión!

Efectivamente, las palabras del vocalista Miguel Bañón se cumplieron y el público -que casi llena la sala pequeña de auditorio regional de Murcia- gozó de una treintena de canciones interpretadas, con oficio y entusiasmo, por la histórica banda murciana de rock minoritario tan bien caracterizada por su particular sentido del humor.

En dos horas y media se sucedieron muchas historias: de Tipos raros (Perdición, 2010), como la del muy formal ‘Cándido’ que nos permitió apreciar los coros de Román (bajista) –siempre parco pero acertado- y de Pedrín (batería) –aclamado por bonachón-; de animales domesticados, como justifican en la muy eléctrica ‘Mi gato se llama persona’; de chicas a las que se les entrega el corazón para siempre, como cantan en ‘Mi amor es para Luci’ a ritmo de foxtrot con un divertido ukelele o durante tan solo una noche ‘Para decir adiós’ –fantástica la ilustración de Cascales, así como en el resto de temas del último artefacto marañón-; y cómo no, de viajes: trasportándonos a un estereotipado ‘Japón’ -siempre luminosa y ahora con certificación eco-, advirtiendo en ‘Vuelvo a Katmandú’ que existe una vía de escape si se es consciente de habitar en ‘el Mundo al revés’, pero sin perder el sueño de visitar ‘Shangri-la’ o de viajar al más allá ‘Cruzando las galaxias’ –también título del musical para teatro inspirado en textos de Los Marañones-.

En el concierto hubo momentos emotivos implícitos, como cuando apareció la imagen del amigo comediante desaparecido mientras sonaba ‘la Memoria del extranjero’ y otros más explícitos, como al presentar ‘el Baile’ provocando un cierto ajetreo en las butacas pares –animadas desde el escenario por el teclista Campoy- mientras el resto ‘Saluda al tren’, aplaude y despide a la banda con satisfacción, al tiempo que un grupo de niños desde primera fila pedía otra más.

En el primer bis cayó ‘Voy loco mama’ y ‘el Final’, canciones escritas hace dos décadas y que continúan celebrándose hoy con vigencia. Para la despedida escogieron “el préstamo” de Neil Young titulado ‘Soy minero’ y la extensa ‘Conozco la canción’, psicodelia pura que aparentemente cierra su décimo disco. A la salida, el aficionado tuvo razones para pensar que el recién estrenado dos mil once empieza con buen pie. Por lo menos en el plano musical con un poco de ironía, pues Los Marañones continúan demostrando ser unos personajes.

Benicàssim aprende italiano a ritmo de música jamaiquina

2010-09-17T22:21:00.004+02:00

2 ª parte escrita para Suite101 y alojada aquí

Rototom Sunsplash, un festival completo y comprometido

2010-09-16T12:11:00.001+02:00

1 ª parte escrita para Suite101 y alojada en la foto del área cultural Peace, Love & Unity

B-Side festival continúa, con la fórmula menos arriesgada

2010-09-12T19:39:00.006+02:00

L. A.
Heavy Trash
Love of Lesbian
the Ting Tings
We are Standard
Dj’s varios

La nueva edición del B-Side festival repite fórmula, pero con un evidente menor presupuesto, y evidencia lo acertado que es contratar al grupo “indie” nacional del momento –siempre que éste cante en español- como principal reclamo. Si el pasado año fue uno de la capital (con nombre de tortuga ficticia) el encargado en convertir al campo de fútbol de Molina de Segura en un gran coro -salvando de paso la taquilla-, este 2010 no podía ser de otra forma: desde la ciudad condal, los cachondos Love of Lesbian ponen una muesca más a su revolver en esta fructífera temporada festivalera -para ellos- y demuestran que el golpe de fortuna puede llegar tras diez años de carrera.

Así que con la oportuna elección tomada, tan sólo había que rellenar el cartel con un par de grupos antes y otro par después del reclamo “comercial”. Lo de los disc-jockeys entre cambio y cambio de backline es una buena opción cuando no hay varios escenarios, pero aconsejable sería la contratación de uno de calidad en lugar de varios poco interesantes, que tan solo conllevan las relaciones de promoción del propio festival.

Fue grata la suerte -que tuvieron unos poquísimos entendidos- de comprobar la dedicación y energía que mantiene el inquieto Jon Spencer al frente de su quinta banda: Heavy Trash. Rockabilly low-fi from NYC, con las características propias del garaje punk que son marcas de autor. Aunque pareciesen estar tocando fuera de lugar y ni siquiera el sonido les hiciese toda la justicia, su actitud y entrega sin descansos, hicieron olvidar la actuación precedente de L. A. - recomendable proyecto anglosajón con recuerdos mallorquines- que lidera el bueno de Lluis Albert Segura.

Pero a pesar del currículo, no fue la banda americana sino el dúo inglés the Ting Tings quien despertó la curiosidad de los medios y las ganas de bailar en un público poco exigente. La intención está clara: entretener con algunos sencillos efectivos, revitalizar el espíritu de la new wave con una estética industrial y un electro-pop desinhibido e intentar dar continuidad al suceso obtenido. El resultado no tanto. Palideció el ritmo del concierto con tanto pregrabado y la rubia de bote cambiando de instrumento constantemente, los bailarines son evitables -aunque tuvo algo de gracia su coreografía como sección de vientos- y la presentación del nuevo tema ‘Hands’ no augura nada mejor a lo mostrado en su álbum de debut.

1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando la luna) (Warner, 2009) es el sexto largo de Love of Lesbian, e igualmente que en él 'Allí donde solíamos gritar' es el tema elegido para empezar. Su público ha rejuvenecido notablemente y las canciones se cantan de principio a fin o por lo menos se tararean en masa y celebración como en ‘Shiwa’ o la silbable ‘Incendios de nieve’. El baile de máscaras de los cinco miembros de la banda sigue divirtiendo(los), culminando en un insuperable fin de fiesta con ‘Me amo’, ‘Club de fans de John Boy’ y la versión playback coreografiada de ‘Algunas plantas’. Convirtiendo así el césped del recinto en una agradable pista de discoteca.

We are Standard -los hermanos mayores de the Leadings, presentes en DJ set- se encargaron con su dance rock, de poner fin a cinco horas de conciertos con buena producción que no dejarán nada nuevo para el recuerdo, pero que a bajo coste ofrecieron diversión a la noche de un sábado posvacacional.

© m. tébar almansa, en Murcia a 12 de septiembre de 2010

Paco de Lucía engrandece su leyenda

2010-08-11T18:59:00.003+02:00

Paco de Lucía: guitarra española
Duquende y David de Jocoba: voz y palmas
Antonio Serrano: armónica y teclados
Alain Pérez: bajo eléctrico
Antonio Sánchez: guitarra española
Piraña: percusión
Antonio ‘Farruco’ Fernández: baile y jaleo

La última gran gala de la L edición del Festival Internacional Cante de las Minas, con otro lleno categórico –quizás de más-, fue premeditadamente un perfecto punto y seguido de oro (y valga la redundancia) antes de adentrarse en el certamen en sí que lo justifica todo. Tras el reconocimiento Catedral del Cante a Japón “por la labor de dicha nación en la conservación, promoción y difusión de la cultura y el arte flamenco” y con las primeras palabras del presentador “con Ustedes Paco de Lucía, el mejor embajador que ha tenido este arte por el mundo”, hubiese sobrado el resto de preámbulos.

El aura que rodea al maestro renovador de la guitarra flamenca es tal, que ya puede estar sólo como bien (o mal) acompañado, pues él será el centro de atención durante todo el recital. Dividido éste en dos partes -que suman poco más de la hora y media- tan solo una decena de temas es lo que recupera de toda su discografía –tan poco prolífica en las dos últimas décadas-. Rondeñas, tangos, alegrías, soleas, seguirillas, bulerías y ¡Por supuesto! la rumba instrumental más reconocida del flamenco, esa que evoca a su Algeciras natal, a los dos mares que la bañan (Mediterráneo - Atlántico) y con tantas connotaciones memorables fruto de una simple improvisación a última hora. Eso era el Duende, que ahora aparece en ciertos artistas con menos frecuencia de lo que a un buen aficionado gustaría. Será esto el precio a pagar por la técnica y profesionalización o de olvidar el placer por las cositas buenas, cercanas y pequeñas.

El concierto lo comienza el propio Paco tras un escueto “Buenas noches” con ambos pies apoyados -el derecho un palmo más elevado- y manteniendo la horizontalidad ya normal del instrumento que domina. A la segunda pieza ya mete el cante y la percusión, para volver a quedarse protagonista con los palmeros desplazados a su derecha, a los que se van uniendo el resto de los siete músicos -como es habitual en formación de semicírculo- que terminan por sentarse con sus respectivos instrumentos -¿Para qué ese teclado en escena?-. De vez en cuando, el baile desatado y el contundente zapateado de Farruco ejemplifican la vigorosidad y el ritmo marca de la casa, sin conseguir que se pierda la belleza por la pieza ejecutada o por el evidente virtuosismo del intérprete.

Pensando en que los superlativos ya abundan entorno a las crónicas y críticas de los directos de D. Francisco Sánchez Gomes, hijo de Luzia o que los tiempos del infalible Sexteto –en su ampliación a septeto con el gran bailaor Joaquín Grilo- ya no volverán. Mejor disfrutar de la historia viva y esperar las nuevas composiciones que a bien quiera o pueda seguir brindándonos, desde Mallorca o desde la jungla mejicana donde se retiraba.

Es apreciable el interés que Paco de Lucía tiene por dar continuación a sus logros y así se siente la herencia de Camarón en Duquende –desde siempre-; el famoso cajón peruano que popularizase Dantas ahora percutido por el fiel Piraña; la incursión de instrumentos -tan poco flamencos en otros tiempos y que ya lo aproximaran al jazz-, como son el bajo eléctrico de Benavent relevado por el virtuoso Alain Pérez o las líneas de viento que Antonio Serrano interpreta con su armónica en sucesión al saxo de Pardo; y un resto de cambios que no mejoran el resultado acostumbrado.

Ver a un dios en cualquier manifestación artística es lo que tiene, se podría esperar siempre un algo más, pero conforme se le recuerde se engrandecerá su leyenda.

© m. tébar almansa, en Murcia a 11 de agosto de 2010

Miguel Poveda, ¿Alguien da más?

2010-08-10T18:54:00.000+02:00

De La Unión, Miguel Poveda ha extraído prácticamente de todo. Y con los minerales obtenidos –ahora la placa de una calle del pueblo llevará su nombre- se ha ayudado para forjar la que es, probablemente, mejor carrera de cualquier artista flamenco vivo menor de cuarenta.

Hace ya 17 ediciones el Festival Internacional Cante de las Minas se rendía al arte de un veinteañero llegado de Badalona y demostraba, una vez más, que para hacer flamenco del bueno no hace falta ser gitano, andaluz, apellidarse con solera o demostrar el abolengo. Triunfó por Cartagenera, Malagueña y Soleá, y la preciada ‘Lámpara Minera’ justamente fue a parar a sus manos. Quince años después se le reconocería con el ‘Castillete de Oro’ tras gozar de ser ‘Premio Nacional de la Música’ y con la misma alegría y humildad pidió un humilde favor “no me deis más premios, que cada vez me lo ponéis más difícil”. En el cincuenta aniversario del festival lo ha vuelto a hacer. El listón lo coloca él en estos momentos en lo más alto.

El concepto del espectáculo que presentó este verano es una adaptación de Sin Frontera. Dos cuadros de diferente generación y procedencia se encuentran para celebrar el flamenco en todo su esplendor, pero sin artificio, con la naturalidad que da el saber hacer bien las cosas. Uno de ellos lo forma el propio Miguel Poveda, adelantado y ladeado según se mira a la izquierda, flanqueado por sus dos tocaores fetiche: Juan Ramón Caro –para interpretar los dos primeros palos mineros- y el atento Juan Gómez ‘Chicuelo’, como guitarrista principal de la gala. En las dos mesas de madera al centro del escenario, quien comanda es el veterano Luis ‘el Zambo’, rodeado por los palmeros Luis Cantarote ’el Lúa’ y David Grilo, el bailaor Andrés Peña y el reconocible Moraíto Chico al toque –que dicho sea, disfrutó de lo lindo-.

Comenzaron alternándose los cantes: el Zambo, representando a la vieja escuela por Soleares frente a las Mineras que con tanta dedicación ha estudiado Poveda. Las Tonás los unen por primera vez y por bulerías comienza la fiesta y el par de botellas de manzanilla que terminarán por vaciarse “¡Qué borrachera mare!”. Hubo tiempo para escuchar las guitarras en respetuoso silencio, para disfrutar del baile jaleando al artífice, para volverse solemnes con la Seguiriya entoná con sentimiento por Luis o para que Miguel recordase con alegría a las grandes voces de la Copla.

Las tablas ya le sobran a Miguel Poveda y lo convierten en líder sin pretender serlo, con naturalidad se descamisa, se arremanga y se lanza al centro de la pista sin vergüenza –la microfonía inalámbrica a su servicio-. Dirige su zambra flamenca, muestra respeto al maestro, a los artistas que lo acompañan y al público que lo adora. Incluso tiene dedicatoria para su coetáneo Arcángel a quiendedicó la bonita ‘Alfileres de colores’, última canción tras los bises –con una mitad cantada a pelo-.

En los popurrís que interpreta en este encuentro tuvo tiempo para picotear de innumerables palos, poner a bailar a casi toda la cuadrilla, levantar al público de sus asientos y demostrar su grandeza. Y no le hizo falta ir a visitar otros géneros, que igualmente sabe defender con inteligencia, para convencer a quien aun no lo estuviera.

Cuando el cante jondo termina celebrándose con alegría y sapiencia la cosa del flamenco tiene forma redonda y el sabor de boca que deja es mejor que cualquier vino. En el telón colgaba un reloj sin manecillas, durante dos de sus horas –poco habitual- los progenitores de Miguel Ángel Poveda León, amigos y aficionados al flamenco disfrutamos de lo lindo y las expectativas previas se colmaron.

© M. Tébar Almansa, en Cabo de Palos a 10 de Agosto de 2010.

Mercé puso el nombre, Galván el arte

2010-08-09T18:47:00.000+02:00

El baile flamenco también tiene su reconocimiento en el certamen Cante de las Minas y con ‘el Desplante’ es como se premia anualmente al bailaor o bailaora más destacable.

En 1996 el sevillano Israel Galván lo consiguió, y desde entonces alimenta la siempre dicha diatriba entre lo puro y lo ecléctico en este arte. A la actual quincuagésima edición del festival llegó con su elegante espectáculo: La Edad de Oro, estrenado hace más de un lustro con un título que por sí mismo suena a clásico y que por tanto no necesita del reclamo por estreno. Una decena de precisos solos masculinos, acompañados por el buen hacer musical de los hermanos Lagos o por el silencio que rompe Israel con su propio cuerpo –palmas, chasquidos, taconeos, zumbidos, silbidos… nada de largas melenas mojadas esparciendo gotas de “esfuerzo- intercalados perfectamente por tres cantes jondos bien sentidos y otros tantos preciosos instrumentales de guitarra.

Son tres los que conforman la coreografía, un trío flamenco por antonomasia: el cante de David, el toque de Adolfo y el baile. Uno se lleva los elogios –para eso suda la camisa y pone su arte y creatividad en ello- y todos encajan las piezas en un espectáculo bello. Pausado, plástico, calculado pero emotivo. Un espectáculo de expresión corporal que ciertamente trasmite flamenco por los poros, si bien el claqué o el break o lo que a cada cual le recuerde tengan su destello. Los zapatos de Galván más que rasgar y percutir a compás las tablas del escenario, dibujan los trazos de un cuadro que termina de decorar con sus manos, con su mirada, hasta con los dientes.

En otro estatus –el del éxito- es donde se encuentra el jerezano José Soto Soto, reconocido artísticamente como José Mercé. Acompañado al toque (únicamente), como viene siendo habitual, por Moraíto Chico saludó simpático, radiante, tranquilo y arremetió por Malagueñas, para continuar con esos cantes que se impone cualquier cantaor -aunque no le vengan desde dentro-: Soleares y Seguiriyas.

Con las Alegrías se nota la diferencia. Aquí sí que se siente cómodo Mercé y lo trasmite. Como las Bulerías que lo levantan de la silla y acercan al borde del escenario para cantar a pelo. Son cantes que responden a un carácter y a una dedicación concreta: la del público, que le grita “José ere el más grande”. Referencia en la letra a La Unión que tan bien lo recibe y del que igualmente él habla, los aplausos son bidireccionales, las manos en el corazón lo unen y la declaración “para terminar me gustaría hacer un tema y que todos Ustedes canten conmigo” lo dice todo. ‘Al Alba’ -canción original de Aute- se ha convertido ya en un clásico imprescindible en el repertorio de este gran cantante pero no tan importante flamenco.

Cuando las cifras de ventas acompañan, a quién le importa. Y si no que se lo pregunten al Cigala.

© M.Tébar Almansa, en Cabo de Palos a 9 de Agosto de 2010.

Morente

2010-08-07T17:40:00.000+02:00

D. Enrique Morente Cotelo, conocido simplemente como Morente antes de que su prole flamenca también se hiciese patente, es incuestionablemente uno de los nombres más notorios y populares dentro del panorama flamenco actual. Por esto, por su lista de premiaciones, por su alcance mediático fuera de las fronteras “cerradas” a este difícil estilo musical y, sobre todo, por su estilo, dedicación y trabajo es suficientemente meritorio para recibir este año el premio institucional Castillete de Oro, que otorga la recién constituida Fundación Cante de las Minas, a su carrera y en respuesta a ello, protagonizar la primera gala flamenca de cante –tras una jornada inaugural dedicada a los ganadores de la anterior edición y una espectacular velada en ‘el Café de Chinitas’ interpretada por el Ballet Nacional de España que dirige José Antonio, con la voz de la encantadora Esperanza Fernández y la excelente instrumentación en directo por el grupo que comanda el gran Chano Domínguez-.

Tras una presentación expectante salió el cuadro de Enrique Morente para formarse en u alrededor de un micro, como viene siendo costumbre, y comenzar así su liturgia con unos tientos que sirven para calentar y tienen mucho de mantra multiculti “Nelson, Mandela, África” terminaron recitando. Ya sentados, abrieron con una “Caña”, con los tocaores Rafael Riqueni y David Cerreduela a la izquierda del maestro y los Gabarre (Pedro y Ángel), su cuñado A. Carbonell y su propio hijo Enrique jaleándolo sentados al otro lado, frente unas mesas de diseño que amplificaban los golpes de manera más eficaz que las típicas de madera de cualquier taberna. El Bandolero ocuparía un discreto puesto de percusionista al fondo.
Las alegrías con versos de Alberti precedieron a unos tangos de compleja métrica. Hubo Verdiales y propia Malagueña. Una Seguiriya con el toque inconfundible de Morente sonó antes de la Rumba sobre el pintor Pablo Picasso y la tradicional fiesta gitana, con toda la formación de nuevo en pie cantando por bulerías y aplaudiendo el baile del menor de los Gabarre. Todo el mundo en pie, cómo no, y los flamencos ni una sola palabra hacia el público ¿respeto al cante, solemnidad o aires de grandeza?.

La anunciada Taranta minera cayó en los bises y terminó con el tic tac del reloj y las campanas del olvido anunciando el final de un recital que despidió por Fandangos y con el poema ‘Elegía a Ramón Sijé’ del celebrado Miguel Hernández en su letra. Compensando así la distante conexión artista-aficionado.

El público asistente que reventó la taquilla del L Festival Internacional del Cante de las Minas, mucho del cual desconoce otra vertiente del flamenco que no sea la del eclecticismo del granadino, se quedó satisfecho. Pero para nada sucede lo de “habrá un antes y un después al escuchar un recital de Morente”. O la primera vez quizás sí, a la que van muchas ya no. La emoción que trasmite en cada uno de sus trabajos de estudio es muy diversa a lo que se aprecia en sus directos, más aun cuando no están presentando disco nuevo.

© M. Tébar Almansa, en Cabo de Palos a 7 de Agosto de 2010.

Esperaré en el Ambigú

2010-07-28T10:28:00.005+02:00

Ambigú (del fr. «ambigu») 2. Lugar de un local público, por ejemplo de un teatro o un salón de baile, donde se sirven cosas de comer.

Entendiendo como local público: Radio 3 y la Música que nos emociona como esa "cosa de comer". Se me pronostica la inanición.

Ayer compartía las felicitaciones que Juan Puchades daba desde la fundamental efe eme al maestro Diego A. Manrique por sus sesenta tacos recien cumplidos. Fue al llegar a casa, justo antes de preparar una playlist emotiva. Recuerdo que traía: Mondo Cane di Mike Patton -¡en italiano!- apuntado en un trocito de papel para no olvidarme darle caza. La satisfacción de saber que mi amada Cyndi canta al Memphis Blues tras su experiencia en Broadway -ella que era tan inusual- también me alegraba haberlo sintonizado momentáneamente en coche. Y, una vez escuchado en el podcast El Ambigú completo, poder descubrir el nuevo proyecto experimental de Ben Chasny y Richard Bishop fue definitivo -¿hay alguien más ecléctico?-. Tan sólo fue un ejemplo más de master class.

Pero entre líneas, irónico, mi admirado Diego a punto no quiso contenerse y delató su situación "bien no sé si esto debe ser ya una despedida, a partir del 22 de julio este programa no existe contractualmente, pero, sin embargo se sigue emitiendo… misterios".

Ya que hay casos en que interesa acallar la voz crítica, hoy a las trece horas volvía a sonar el Sunset Bulevar enlatado de Chema Rey, en lugar de mi programa favorito desde hace dieciocho años. En su momento fue duro dejar de escuchar al despertarme en fin de semana, al agitador folclorista de conciencias Iñaki Peña desde su Trébede. O sufrir la prejubilación del meditativo Xabier Moreno, que tanto ilustró con los Pioneros e intentó agitar conciencias desde su Lokal. Y de tantos díscolos, adelantados, críticos, originales, libres con similar fortuna. Otros atrevidos, eventuales o precarios lo intentan, o por lo menos no callan, como es el caso del charcutero Javier Gallego 'Crudo'.

El valor inmenso de aquellos profesionales, que hacen sentir orgulloso por una radio pública, parece que se diluye rápidamente entre sucesos efímeros, mediáticos y sin trascendencia alguna. Consabidas decisiones políticas, premeditadas desde uno u otro partido, tan solo nos avocan a lo que somos: un país de ignorantes, chovinistas, mediocres y con poco ingenio o coraje para tirar hacia delante cuando todo pinte desfavorable.

Lo dijo el pastor Niemöller "…ya no quedaba nadie más que pudiera protestar" y como nuestra memoria histórica a veces sufre de rencor y otras de amnesia. ¿Qué nos queda?

Manrique decía tras una de sus célebres cortinillas "cada día, en el Ambigú, 100 razones más para vivir". Yo hoy, tengo una menos.

Valga esta sintonía de mi paisano Juan Simiedo como despedida:

"Yo, no lloveré una lágrima
ni lloraré en tu triste mar
ya no sé si llamarte o no llamar
ya no sé si dormir es no soñar
ya no sé si poner la radio.
No derramaré una lágrima
esperaré en El Ambigú
a que Diego me ponga en un café
las canciones qué no conozco
de Madrid hasta el Congo
y en Radio tres"

y este Manifiesto como apoyo.

PS. + madera, coming soon 'el Ambigú en el exilio' = el Amplificador.

30 años de Radio 3: Diego Manrique

RIP Meme.

Mark Knopfler no es Dire Straits, ni lo pretende

2010-07-26T01:16:00.009+02:00

Mark Knopfler ‘Get Lucky tour’

Mark Knopfler: voz y guitarra
Guy Fletcher: órgano, teclados y guitarra española
Richard Bennett: guitarra española y eléctrica
Matt Rollings: piano forte y acordeón
Danny Cummings: batería
Glenn Worf: bajo eléctrico y contrabajo
Michael McGoldrick: flauta irlandesa y gaita
John McCusker: violín, mandolina y flauta

Evidentemente la gente que llenó la plaza de toros de Murcia no parecía saber que Mark Knopfler no es Dire Straits, aunque sí valga decir justo lo contrario. De aquella dinosaúrica banda inglesa de rock queda en activo su titular, a la vez que compositor, cantante y guitarrista principal -de prácticamente toda la obra mundialmente conocida- y el teclista en la segunda formación Guy Fletcher, ahora mano derecha.

El sonido que viene practicando y facturando el célebre guitarrista desde que disolviera su banda hace quince años, dista principalmente en cuanto a lo reconocible como canción, y no tanto como un sonido propio. Seguramente el country o el folk han determinado la tendencia a seguir en su ya superior obra en solitario –duplicando los discos con DS si se tienen en cuenta las tantas bandas sonoras compuestas-. Así, los tiempos fluorescentes de cintas en el pelo y muñequeras sport, han dado paso a una música para ser escuchada en el salón a través de buenos auriculares o, cuanto menos, sentado en una butaca rodeado de un cierto ambiente creado para la ocasión. No fue el caso.

Igual que no es lo mismo ver en vivo a Van Morrison en un recinto asequible que un escenario como La Condomina, la música de Knopfler es para disfrutarla con cierta comodidad. Como él mismo expresa, tocando sin levantarse del taburete mas que para cambiarse de guitarra. Los punteos en su sitio -reconoció tocar de manera algo diferente debido a un accidente, quizás de ahí también la postura estática-. Sin prisas, pero sin sueño. Todo bien calculado, preciso. Sutil para alguno, aburrido para muchos.

Buena parte de los seguidores del famoso guitarrista sin púa (fingerstyle) recibieron lo esperado: ver a su ídolo dirigiendo, aunque en el mismo plano, a un septeto de buenísimos músicos que, sin alardeos, completan fielmente las canciones en torno a las notas desprendidas de las guitarras dedicadas Mark Knopfler Stratocaster (la roja en la portada de Private Investigations fabricada por Fender) y MK-II (por Pensa custom guitars) o de las clásicas Telecaster, Les Paul y Dobro (la plateada en la portada de Brothers in Arms).

Mark Knopfler centró su repertorio en su disco Sailing to Philadelphia (Warner, 2000), dedicó a Get Lucky (Mercury, 2009) tan solo el primer y último corte –precisamente en el mismo orden para el setlist- y de sus tiempos al frente de Dire Straits: rescató la preciosa historia de ‘Romeo and Juliet’, recordó los épicos momentos como cuarteto en ‘Sultans of swing’, la extensa versión de ‘Telegraph road’ y tras brindar con cerveza un bis con la balada ‘Brothers y arms’ y ‘So far away’ entre sonrisas complacientes y palmas generosas.

Precisamente, porque este repertorio es fruto de la nostalgia, será justo reconocer que los derroteros de este influyente guitar hero tienen más que ver con la riqueza de instrumentos: acordeón, mandolinas, flautas, gaita, … -Michael McGoldrick y John McCusker son fundamentales para ello- que sirven a Knopfler para recuperar el sabor del folclor en la música escocesa e irlandesa, y por ende de ciertos orígenes de alguna música americana –Richard Bennett puso el toque Nashville-. Tranquila y evocadora, para ser degustada preferiblemente servida en plato distinto.

© m. tébar almansa, en Murcia a 25 de julio de 2010

Icono por derecho propio

2010-07-17T16:36:00.007+02:00

Patti Smith en gira

Patti Smith: voz, guitarra española y eléctrica
Lenny Kaye: guitarras
Jay Dee Daugherty: batería

Tony Shanahan: bajo eléctrico y teclados
Jack Petruzzelli: guitarra eléctrica

La entrada más cara de la presente edición del festival La Mar de Músicas fue prevista -y cubierta en expectativas- por la ya señora Patti Smith al frente de su banda, heredera ésta de aquel Group del que aun mantiene -desde hace treinta y cinco años- a sus fieles: Lenny Kaye (guitarrista) y Jay Dee Daugherty (baterista). Quien quizás se echara de menos en escena fue al vástago del desaparecido Fred ‘Sonic’ Smith, que venía ejerciendo junto a su madre en los últimos años, hasta contraer matrimonio con la carismática Meg White.

Sirva, este último apunte de prensa rosa, para ejemplificar un poco las relaciones de las que la propia Patti Smith a hecho provecho para convertirse en i-co-no: desde el consabido fotógrafo Mappelthorpe hasta Michael Stipe, pasando por John Cale, Bruce Springsteen, el citado miembro de los MC5 o el poeta Ginsberg, de quien bien aprendió oficio y ahora explota siempre que puede.

Pero a lo que vino esta vez a Cartagena fue a satisfacer mitomanías (y curiosidades). La andrógina feminista, reivindicativa antibelicista y cantante punk ofreció un concierto de rock más que digno. Acudió a todos los elementos que la conforman como personaje “intelectual”: las banderas, los discursos, la actitud, la pose, … -se extrañó de que le gritasen guapa- y repasó siete de sus nueve discos de estudio, dándole protagonismo al “comercial” Easter (Arista, 1978), que casualmente podía comprarse en vinilo en la caseta de discos.

Obviamente no olvidó –Smith nunca lo hace- las dos canciones que más la identifican con el gran público: la transmutada versión de ‘Gloria’ de Van Morrison -incluyendo su irónica introducción ‘In Excelsis Deo’- con la que se dio a conocer en Horses (Arista, 1975) y la no tan coreada ‘Because the night’ reescrita y popularizada después de que Springsteen se la cediera a final de 1977.

Recordó a su amigo Jim Carroll “fue uno de los mejores poetas de mi generación” y a sus satánicas majestades con la acústica ‘Play with fire’, bajando el ritmo tras la enérgica ‘Free money’ a cotas más de folk americano. También hubo momentos para la balada ‘We three’ –preciosa-, para dejarse fotografiar a gatas en ‘Dancing barefoot’, para concienciar de la fuerza del individuo con ‘People have the power’ o para terminar rompiendo las seis cuerdas de su guitarra como punto y final al salvaje ‘Rock N Roll nigger’, ya en camiseta.

La abuela Patti ya no es lo que fuera, pero en su concierto no dejó intuir fisuras a un discurso e historia ganados a pulso. Porque además de estar en el sitio justo, hay que saber estar para que la cosa funcione y se le respete a una como autora/artista. Ella lo supo hacer y así se ha mantenido.

Como complemento, en el escenario del castillo árabe se pudo comprobar como, la música que nos llega desde la República Democrática del Congo sigue manteniendo una alta cota de excelencia e impacto visual. Imagínense 4 sillas de ruedas, un par de muletas, una especie de batería artesanal, un bajo, una guitarra eléctrica y el Satongué: “un bote de leche en polvo con un trozo de red para pescar y un cable eléctrico que tensa el palo curvo de madera insertado en él” –agudo y desquiciante-.

Esto es lo que han de mover estoicamente los ocho hombres del Staff Banda Bilili, para seguramente poder hacer bailar irremediablemente a cualquier sorprendido público que se les ponga enfrente. El cual, tras el segundo trallazo de rumba congoleña, seguramente olvidará estar ante una agrupación de músicos callejeros disminuidos físicamente, que reivindican con su calidad musical y una más que digna frase -que da a pensar y no poco-: “la minusvalía está en la mente no en las piernas”.

© m. tébar almansa, en Murcia a 17 de julio de 2010

Señor Doctor, gracias por la cura

2010-07-16T13:14:00.007+02:00

Dr. John & the Lower 911
Dr. John: voz, piano forte, órgano y guitarra
John Fold: guitarras
David Barad: bajo eléctrico
Herman Herst III: batería

Hay nombres, ilustres en la historia de la música del siglo XX, que uno descubre gracias a la admiración que le tienen otros iconos de la talla de Bob Dylan, the Rolling Stones o Eric Clapton. Mac Rebennack, más conocido como Dr. John ‘the Night Tripper’, recogió del Professor Longhair el testigo de las músicas negras de Nueva Orleans: Rhythm and Blues o Jazz tradicional y las mezcló con Boogie-woogie, Rock psicodélico o Funk consiguiendo amalgamar un estilo musical completo e identificativo al estado de Luisiana.

El Dr. John demostró, ante un auditorio prácticamente lleno, como cura a golpe de ritmo y de sabiduría, desviando la atención de su capacidad compositiva hacia una presencia escénica propia y “auténtica”, que pudiera recordar a un Willy Deville -menos deteriorado- o a un Screamin’ Jay Hawkins –menos efectista-. Encorsetado entre su órgano Hammond y un piano de cola que toca con idéntica naturalidad y sutileza (pero sentado), dio un repaso ecléctico a un repertorio propio y ajeno, de los que dejan buen sabor y ayuda a entender de dónde viene cada estilo, ayudado como si no tuviese importancia por los tres buenísimos músicos que forman the Lower 911 -¿los suburbios del once de septiembre?- y con los que grabó ‘la Ciudad que olvidó la atención’, disco en homenaje a su ciudad, tras la tragedia del Katrina.

También hubo momentos para danzar socarronamente, a sus (casi) setenta años, collar santero y bastón en ristre y recordar momentos de juventud –principio de los 60- cuando empuñaba la guitarra como instrumento principal. Curiosamente colaboraba por aquel entonces (como músico de sesión) para Canned Heat, que en esta misma noche en el Festival Internacional de Jazz de San Javier, no hicieron más que robarle tiempo como teloneros venidos a menos, aunque con algún destello en los bluses más lentos.

Correcto sería tirar del refranero y decir aquello de “Genio y figura hasta la sepultura” esperando, eso sí, que la salud, la voz y el ingenio le aguanten otras tantas décadas a este fenomenal músico y compositor de New Orleans.

© m. tébar almansa, en Murcia a 15 de julio de 2010

el Jazz cubano que vuelve a Afríca

2010-07-09T18:18:00.008+02:00

Chucho Valdés & the Afrocuban Messengers
Chucho Valdés: piano forte
Mayra Caridad Valdés: voz
Lázaro Rivero Alarcón: bajo eléctrico y contrabajo
Juan Carlos Rojas Castro: batería
Dreiser Durruthy Bombalé: batá y voz
Yaroldy Abreu Robles: percusión
Carlos Manuel Miyares Hernández: saxo tenor
Reinaldo Melián Álvarez: trompeta

Tras la exitosa jornada inaugural con el complaciente Chris Isaak, el XIII Festival Internacional de Jazz San Javier se vistió de blanco para invocar a las deidades afrocubanas y el yoruba volvió a ser la lengua que empariente a la otrora célebre orquesta Irakere con los nuevos Afrocuban Messengers del gran pianista Chucho Valdés.

Es curioso que cueste desligar el lazo parental de Chucho con el de su nonagenario padre Bebo y sorprende descubrir lo que experimenta un profano al jazz, cuando observa que el hijo supera en calidad técnica al maestro: “¡Es flipante, pero para mí es más duro que el bolero aflamencado!”

El cubano Chucho Valdés es reconocido y reconocible como uno de los mejores jazzistas latinos a nivel mundial, capaz de afrontar un concierto de piano solo o, como fue el caso, con una banda de percusión y viento. Comenzaron con la famosa ‘Misa negra’ que se extendió hasta los 25 minutos, con sus cuatro partes. Lo cual fue todo un disfrute introductorio a un concierto centrado en “el mejor disco instrumental que he hecho en mi vida” como cita el propio pianista sobre Chucho’s steps, su último álbum. Un nuevo paso continuador.

Al cuarteto de piano y base rítmica –con muchas congas- se le une en esta reciente formación un par de metales y la cosa funciona que da gusto, como se pudo comprobar con: ‘Danzón’ con el saxo templado de Miyares; rememorando la cuna de la saga Marsalis, con un ‘New Orleans’ más que identificable -pero con la pizca de sabor añejo cubano-; en el homenaje al líder de Weather Report con ‘Zawinul mambo’, donde cambian contrabajo por bajo eléctrico para recuperar mejor el sonido del “maestro de los Keyboards” o en el tributo a Cole Porter ‘Beguin to be good’, con la preciosa trompeta de Melián sobrevolando el piano de Chucho.

Aunque, sin duda, lo más celebrado del concierto por el encanto percusivo y primitivo de los tambores batá y de las congas, fuesen los temas ‘Yansá’ con un explosivo final o la homónima ‘los Pasos de Chucho’, afinando sobre la marcha para descargar el resto en la tarareable ‘los Caminos’, incluyendo una vistosa danza a cargo del cautivador Dreiser Durruthy Bombalé -quien fuera referente delante o tras la polirritmia de sus consagrados instrumentos-.

No tanto se lució la hermana de Chucho: Mayra, que ejerció de santera cantante soul en ‘Obatalá’ y puso en pie al respetable acomodado con un insinuante bis bailable, enlazando ‘la Fiesta de San José’ a ‘los Güiros’, momento en el que se pudo ver a un pequeñísimo Valdés embelesado por el sonido de las tinajas, pero sin levantar las manos de la teclas blanquinegras, mientras descansaba sentado sobre las piernas de su protector ¿tío/abuelo?.

Una nueva generación, aprendiendo en vivo la tradición afrocubana. En clave de jazz, de altura.

© m. tébar almansa, en Murcia a 9 de julio de 2010

Miguel Hernández en boca de Serrat

2010-06-21T02:00:00.004+02:00

Serrat gira ‘Hijo de la luz y de la sombra’
Joan Manuel Serrat: voz y guitarra española
Ricardo Miralles: piano forte
José ‘Kitflus’ Mas: teclados
Israel Cuenca: guitarras
Víctor Merlo: contrabajo y bajo eléctrico
Vicente Climent: batería
Olvido Lanza: viola

realizaciones audiovisuales por orden de aparición: Bigas Luna, Mariscal, Agustín Sánchez, Montxo Armendáriz, Imanol Uribe, Manuel Huerga, Isabel Coixet, Pedro Olea, Manuel Gutiérrez Aragón, José Luis Garci, David Trueba y Joaquín Risueño, José Luis Cuerda y Juan José Gómez Molina, Jaime Chávarri, Rogelio Caballero.

Treinta y ocho años después de que Joan Manuel Serrat dedicase todo un elepé homónimo a musicar algunos textos del poeta Miguel Hernández, el barcelonés cantautor vuelve a aprovecharse de los poemas del oriolano, en la conmemoración del centenario, para volver al estudio con su obra y posteriormente salir de conciertos, exclusivamente con las canciones de aquel trabajo y de este último, titulado como la propia gira Hijo de la luz y de la sombra (Sony, 2010). “Lo de esta noche es un concierto cerrado, que exclusivamente gira en torno al poeta… no esperéis grandes éxitos, que ya habrá tiempo” –esperando que también piense en volver a componer-.

Con una escenografía bastante urbana y ante un auditorio que sigue agotando las localidades para ver al Noi del Poble-sec, salió un Serrat -aparentemente recuperado de sus últimas visitas médicas- recitando ‘Me llamo barro, aunque Miguel me llame’ y cantando la breve ‘Llegó con tres heridas’ que cerraba el primer disco –del que recuperaría un sesenta por ciento-.

En escena le acompañan seis músicos dirigidos por Ricardo Miralles y con Kitflus protagonizando con los teclados la sustitución de acordeón, vientos, cuerdas y demás instrumentos que encarecerían la formación, pero agradarían a los sentidos. El contrapunto de la viola destacó en temas como ‘Menos tu vientre’ o en el discreto poema de su paisano José Agustín Goytisolo ‘Historia conocida’, única concesión en derechos junto a la célebre adaptación de Alberto Cortez ‘las Nanas de la cebolla’ –probablemente la mejor del recital-.

Todos los temas adaptados con la música del propio Serrat, en esta ocasión tuvieron como añadido la propia visión de un grupo de realizadores de primera talla, pero que no por apellido brillaron entre ellos mismos. Siendo los montajes más interesantes aquellos de: Montxo Armendáriz sobre la explotación infantil en 'el Niño yuntero'; Pedro Olea recreando en 'Elegía' el canto a la amistad de Hernández con su compañero del alma Ramón Sijé; David Trueba animando acertadamente la pintura de Joaquín Risueño en la repetitiva 'Sólo quien ama vuela'; José Luis Cuerda fusionando fotografías de Juan José Gómez Molina para la delicada 'el Mundo de los demás'; o Mariscal por ilustrar sin dificultad, solar y mediterráneamente ‘la Palmera levantina’.

Previsiblemente la que despertó más ovación fue la poesía-canto ‘Para la libertad’, con imágenes que fácilmente crean empatía en un público que vivió su infancia y juventud sin democracia. Pero sin ser tan condescendiente, se puede constatar que la voz a poco que Serrat la separa del micro se desvanece, que los arreglos del disco no son nada arriesgados -de ahí el tono lineal del espectáculo- y que no hubiese sucedido nada por elegir cualquier otra para el bis, en vez de repetir el single ‘Dale que dale’ sin jazz-flamenco alguno presente.

Fue todo un homenaje sincero a la poesía del 36, heredera del 27 y necesaria más que nunca en estos días de vuelta atrás. Aunque cuestionablemente sospechoso en términos económicos.

© m. tébar almansa, en Murcia a 21 de junio de 2010

Un festival aguado más

2010-06-19T12:19:00.004+02:00

Ceutindie sounds festival 2010

the Asimovs
Cerebral
Audio’s Pain
Lori Meyers
la Suite Bizarre

En los duros tiempos que corren para festivales de música entre otras empresas, el ayuntamiento de Ceutí se marcó una discreta jornada nocturna, con los granadinos Lori Meyers como principal reclamo.

Bajo un cielo negro que espantó a la posible venta en taquilla, comenzó la primera edición del Ceutindie Sounds Festival, con tan solo unos doscientos asistentes garantizados.

El cantante inglés del grupo de Santiago de la Ribera the Asimovs, bañó completamente de sudor, la llamativa camisa roja con chorreras que lucía, durante su actuación ante el escaso público que tuvo la deferencia de estar desde primera hora. Pudiéndose confundir este hecho de no haberse visto, con las primeras gotas de lluvia caídas sobre el parque de la Constitución -insuficientemente señalizado para ser encontrado por un foráneo- y que no consiguieron más que limpiar un poco el familiar ambiente.

La primera de las apuestas de los organizadores llegó desde la capital andaluza con el duro nombre de Cerebral, banda con sonido limpio y contundente pero que no consiguió trasmitir mucho más allá de lo que sus bases pregrabadas marcaban. El atractivo cantante y compositor de casi la totalidad del repertorio dejó para la despedida seguramente la que sea su mejor carta de presentación: 'Algo mejor'.

Pudiendo alardear de haber actuado ante unos cuantos miles de chino en su reciente visita a Pekín, Audio’s Pain se enfrentaron a la realidad del circuito reservado a bandas regionales “si no lo dice el RockDeLux o el MondoSonoro es que no molan”. Contrariamente Audio es una banda que suena muy bien en directo, con un cantante de los que no abundan y que intentan cuidar –quizás olvidando el espíritu de banda- el sonar como en su último disco.

Ni siquiera el reclamo del lanzamiento de ‘Cuando el destino nos alcance (Universal, 2010) el cuarto disco de los granadinos Lori Meyers –que interpretaron íntegro-, salvó una digna entrada al festival. Quizás precisamente por ello los fans de antes ya no estaban, pero tampoco los nuevos. Efectivamente se les puede cuestionar haberse quitado la camiseta Indie, dejar de sonar tanto a Brincos y situarse en las líneas estratégicas de Sidonie o DeLuxe, pero tampoco se trata de malos ejemplos ¿o la aspiración a trascender es pecado? La creatividad y frescura se deja por el camino, sobre todo cuando no hablamos de genialidad, pero que lo que siguen ofreciendo son buenos conciertos es indudable. Aunque efectivamente, suenen más agradecidas canciones de sus anteriores discos como ‘Tokio ya no nos quiere’, ‘la Pequeña muerte’ o la infalible ‘Luces de neón’.

A las dos y pico de la madrugada un relevo de escenario por más de 15 minutos provoca una espantada, más aun cuando el cabeza de cartel ya ha tocado, y esto es lo que les sucedió a los quizás interesantes berlineses la Suite Bizarre. Encargados de poner el punto y final y quien sabe si definitivo.

© m. tébar almansa, en Murcia a 19 de junio de 2010

lo que vi y no escribí (XIV)

2010-06-12T09:55:00.030+02:00

"la cara musculosa de LOW"

Retribution Gospel Choir + #Fo ★ ★ ★ ☆;
" buscándose la elegancia" Aarön Sáez ★ ★;
"el detalle y la fuerza más allá de la familia"
God is an astronaut + Junius ★ ★ ★ ★;
"intentado recuperar su impronta con la mente en Miami" Alejandro Sanz ★ ★ ☆;
"pleitesía al Rey pese a todo"
B. B. King ★ ★;
"da encanto tocar en pareja (in love)"
Stacey Earle & Mark Stuart ★ ★ ★ ☆;
"con todo el buen sabor americano y sin mencionar a su cuñada"
Joe Henry ★ ★ ★ ★ ☆;
"continuan diviertiendo divirtiéndose"
Sidonie ★ ★ ★

Independientes sonidos primaverales (I)

2010-06-02T18:25:00.016+02:00

¿Ha tocado techo el festival Primavera Sound 10?, ¿Le queda poco para morir de éxito como a la ciudad que lo alberga? ¿Se reinventarán en los próximos 10 años?. De momento, no hay quien les haga sombra. Está en el pódium.

Hacer repaso a una avalancha musical de aproximadamente 160 diferentes propuestas potenciales, desde un jueves al sábado, vagando entre 10 escenarios distintos, en medio de unas 33.333 personas de media por día y sin salir del recinto parc del Fòrum de Barcelona -mas que para dormir menos de lo deseado-, es agotador, satisfactorio y revelador al mismo tiempo.
Seguramente se haga más llevadero no pensar en lo que pude haber visto, o en los variados motivos por no haberlo hecho, para centrarme en escribir de lo que vi y escuché durante esos tres días de música:

Jueves 27, a las 18:15.
El escenario San Miguel (el principal) lo abrieron los chicos de Bis. Ya no lucen flequillo y con el pelo puede que hayan perdido la frescura. Aunque su ‘Eurodisco’ siempre sonará divertido, la chica del teclado ya tiene su futuro ocupado como Manda Rin, ¿Será por algo?.

Estrenando el Ray-Ban (el segundo en tamaño) estuvo el trío the Wave Pictures que se tomaron el concierto acorde a la luz del día, ellos tranquilos, nosotros con la primera cerveza a 4 euros. Un buen momento, disfrutable incluso para poder ver desfilar esos modelitos que los “modernos” reservan para semejante ocasión -y yo vestido tan práctico, tan cómodo, tan poco trendy-.

El negro -que no pasa de moda- es uno de los colores del post-punk y Mark E. Smith, al frente de the Fall, usa el que le da la gana, tiene tablas para ello y parece que suficiente asco acumulado hacia el prójimo. Todo un personaje de culto que lleva la caída controlada -no hay declive en lo suyo para ello-. Siempre suenan contemporáneos y en esta ocasión presentaron su nueva sentencia ‘Your future, our clutter’, sin concesiones ni simpatías. Notables, que no es poco.

En el techado Pitchfork, Titus Andronicus se entregaron al máximo. Mostrándose como un grupo a tener en cuenta.

Por casi todas las listas, con lo mejorcito de 2009, aparecieron los debutantes the XX y en directo demostraron que razón había para ello. Tocaron su álbum en casi idéntico orden, creando el maravilloso clima que tiene y al que los recién llegados, con su continua cháchara, se encargaron de fastidiar un poco. Delicadas las bases y deliciosa la voz de la guitarrista –que me recuerda a Tracey Thorn- y fotogénico el perfil del bajista y también cantante –se llevan muy poco los protagonismos-. Al técnico de luces habría que nombrarlo como cuarto miembro por haber iluminado un elegante concierto. Sobriedad a veces necesaria. Mejor sin público alrededor.

Superchunk era uno de los nombres grandes y, a pesar de no publicar apenas en esta década, sigue considerándoseles como unos influyentes del punk-rock Indie. A pesar de que ahora suenen más a power-pop, sus canciones se celebraron de igual manera.

Por sorpresa para mí, Wild Beast fue la revelación de la primera jornada –y valga la redundancia-. Sus dos voces tan diversas (contratenor y en falsete) comparables a la vez con otros cantantes pop identificativos, suenan muy actuales en pleno revival de los ochenta. Estuvieron atractivos y disfrutables a partes iguales.

Tan sólo ‘Velvet’ y un par de temas más, les bastaron a the Big Pink para convencer de su fórmula: la base de una batería japonesa sincopada, distorsión y reverberación en las guitarras de un cantante tatuado con Metallica tatuado y programaciones de electro-rock definitivas.

Pero, entre todos, el reencuentro mayúsculo del año fue el de Pavement: glorioso nombre que sigue a la altura de su leyenda alternativa. Se les notó perfectamente sincronizados, como si no hubiese cesado de tocar Stephen Malkmus junto a sus antiguos compañeros y con más ganas de divertirse que el propio público –invitaron a miembros de Broken Social Scene y de Monotonix a compartir el momento-. Las guitarras voladoras y los grandes temas ruidosos y/o no, sonaron como ellos mismos. Grandes.

Un ping pong de Akais y sintes entre el dúo de remezcladores Fuck Buttons fue suficiente para ponerme el punto y seguido.

© m. tébar almansa, en Barcelona a 28 de mayo de 2010

Independientes sonidos primaverales (II)

2010-06-02T18:10:00.008+02:00

Viernes 28, a las 16:15.
Estrené la programación del sugestivo auditorio Rockdelux con Owen Pallett, y la elección no pudo ser más acertada. El violinista y arreglista canadiense (anteriormente conocido como Final Fantasy) construyó mediante la utilización de su instrumento y una looping pedal preciosas melodías hipnóticas y, gracias a su dulce voz, consiguió mecer al madrugador público sin provocar la siesta en una especie de encantamiento.

Lo de Hope Sandoval & the Warm Inventions, sí que fue una provocación: música ensoñadora y proyecciones de bailarinas ralentizadas, tintines e instrumentos acústicos que van desarrollándose en intensidad eléctrica, con un justificado recuerdo -la impronta del MBV Colm Ó Cíosóig se dejó notar en el último tema-.

Parece efectiva la fórmula de poner a la venta por 2 euros una preferencia para entrar al concierto de butacas numeradas (3.500). La larga cola que se montó para escuchar en directo la recreación del disco the Great destroyer (Sub Pop, 2005) de Low, lo dijo casi todo. La dosis de tempo lento, rock minimal y voces dobladas del matrimonio fundador Sparhawk-Parker fue el resto. Casi nada que ver con su recién presentación como Retribution Gospel Choir, un proyecto paralelo mucho más testosterónico pero igual de disfrutable.

Mi primera peregrinación hasta el alejado escenario Vice, no pudo tener protagonistas con mayor solera Indie y menor repercusión. Un nuevo ejemplo de binomio sentimental y artístico: con ella a la batería, él a la guitarra (y ambos cantando). Eso, más un amigo bajista, es lo que son YLT y en esta ocasión, bajo su alter ego Condo Fucks, interpretaron su último disco de versiones: Fuckbook (Matador, 2009) –un guiño con humor al Fakebook de 1990 y seguramente a la famosa red social-. Con el sonido tan sucio, inmediato y distorsionado que hace casi inidentificable la autoría de los originales 60’s & 70’s.
Hace pocas semanas otro festival, acudía al término bizarro como reclamo artístico-musical y en su programación, no incluyó artistas cortados por patrones como los de CocoRosie. Las hermanas Casady ya no sorprenden por su particular forma de afrontar el canto (soprano, falsete sintético y beatboxing), ni por la colección de sonidos de la naturaleza enlatados, ni si quiera por el arpa central que casi no tocan. Ellas ahora cautivan por hacer lo que les viene en gana, disfrazadas o travestidas, cómoda y provocativamente. Por lo kitch de sus imágenes, por la belleza de sus rostros con o sin maquillaje, por sonar igual en playback que en directo –ahora les acompaña un concentrado pianista-. En fin, por su colección de canciones adorablemente extrañas, ya sean nuevas o no tan recientes.

Decía Ramón Trecet acerca de Wilco “son la única banda actual de rock que me interesa” y puede que la provocación no fuese tan exagerada. Desde su álbum doble Being there (Reprise, 1996), su posterior colaboración con Billy Bragg y los herederos de Woody Guthrie o desde que por vez primera el que firma se quedara pasmado ante el potente directo de la banda liderada por Jeff Tweedy, el reconocimiento ha sido unánime. Pero como a los buenos cocineros un día les falla algo y pese al empeño les cuesta sacar un menú perfecto. La voluntad de salvar un principio de concierto con sonido desastroso, sin cesar de tocar, no hace más que honrarles. Pero se hubiese deseado disfrutar de todo el repertorio al nivel demostrado en ‘Impossible Germany’, por ejemplo.

Marc Almond es un verdadero frontman con inquietudes y se entrega por igual en formato íntimo, con orquesta o con banda como fue el caso. Flanqueado por Neal X (ex SigueSigueSputnik) a la guitarra y al piano por Martin Watkinks -su mano derecha últimamente-, abrió con la coreada ‘Tears run rings’ y adelantó con elegancia y actitud canciones de su próximo trabajo. Probablemente fuese uno de los conciertos con menor público, en uno de los escenarios principales, pero también uno de los mejores cantados.

Seguramente los freaks de the King Khan & the BBQ show no fueran los culpables de ello ya que actuaron (con sus plumas, capas y turbantes) hora después del inglés tatuado. Justo cuando el mayor número de gente reunida en el festival se agolpaba para disfrutar de las canciones de los míticos Pixies. Con nada nuevo que ofrecer desde que se reunieran hace seis años o dejasen de componer juntos hace veinte. Tan solo temazos para el imaginativo colectivo interpretados autómatamente, siempre bien recibidos y agradeciéndoles, al menos, que aun se acuerden de las canciones menos conocidas.

Mucho más disfrutable fueron los neoyorquinos Yeasayer. Por frescura, ganas y por la entrega de sus tres cantantes -intercambiándose continuamente el papel principal, a la guitarra, al bajo o a los sintes-. Son herederos del worldbeat tan de moda ahora por Vampire Weekend y en otros tiempos por grandes nombres propios (David Byrne o Peter Gabriel).

Y si de apabullar con un directo se trata, the Bloody Beetroots Death Crew 77 se llevó la palma. El disparate electro-punk de Atari Teenage Riott en vivo mezclado con el musical Phantom of the Paradise. Dolor para los oídos y liberación de la angustia acumulada, un éxtasis obscuro. Digno es su manifiesto y mutuamente agradecido fue su espectáculo sónico. Por lo que pude descubrir, yo me creo a estos italianos ocultos tras sus máscaras de Venom siempre que no mueran en el intento.

Mujeres lo intentaron, pero no tuvieron nada que hacer después de lo visto. Más aun si se les compara a the Black Lips pero en barceloneses. Mejor andar a descansar para la tercera y última jornada.

© m. tébar almansa, en Barcelona a 29 de mayo de 2010

Independientes sonidos primaverales (y III)

2010-06-02T17:55:00.013+02:00

Sábado 29, a las 18:45.
Con tan solo tres temas no pude evaluar la actuación de Dr. Dog más allá de sacarles parecido a los Wings, pero como la veteranía manda y perderme a Van Dyke Parks no estaba en mis planes… ¡Menos mal!.
Con su pinta de abuelito, con sus anteojos y en sandalias, el señor Parks se acompañó de tres jóvenes músicos -bajo, violín y violoncelo– todos con partituras-. Recuperó los cuentos del Uncle Remus “del sur para el sur, de negros en país de blancos” a través de su disco Jump! (Warner, 1984), recordó las políticas de Roosevelt con el calipso ‘FDR in Trinidad’, con la inédita ‘Black gold’ se acordó del accidentado Prestige “desgraciadamente superado por otro desastre ambiental aun mayor y de plena actualidad”, rindió tributo a su admirado pianista L. M. Gottschalk con ‘Night in the tropics’ y con ‘Delta queen waltz’ al padre del movimiento folk americano John Hartford. Recuperó del disco compartido con su amigo Brian Wilson la homónima ‘Orange crate art’ y dedicó ‘Wings of the dove’ a su esposa antes de terminar con el ‘C·H·I·C·K·E·N blues’, confesando “estoy agradecido y emocionado por ser invitado a un festival juvenil con tanta gente moderna”. Durante sesenta minutos, uno se pudo olvidar del mundanal ruido y viajar atrás en el tiempo. Es parte del encanto de un festival bien pensado.

Y llegaron los ochenta, por méritos propios “Hola me llamo Roddy Frame y si nadie le tiene miedo al silencio de este bonito auditorio voy a recuperar algunas canciones mías en solitario o como Aztec Camera”. El escocés se presentó sólo, cambiando a conveniencia sus Takamine de 6 y 12 cuerdas y con la voz intacta que tanto emocionó a una generación de nuevos románticos. Cómo no acordarse de tiempos más dulces con ‘Oblivious’ o ‘Walk out to winter’ veintisiete años después.

De la mainstream Florence + the Machine -aunque bien deseada por ser ahora su momento- tan solo aprecié durante el acertado cover ‘You’ve got the love’ y con la primera canción de su debut, que “la máquina” no suena como en disco pero que la voz de ella sí es exactamente idéntica. Pudiéndola ver brincar en camisón élfico, de un lado para otro, y con la melena roja al viento, es muy difícil no encandilarse con la londinense.

Al igual que sucede con el precioso ejercicio terapéutico anti-desamor que es Hospice (Frenchkiss, 2009) escrito por Peter Silberman y grabado con the Antlers. Al cual fueron capaces de sacar toda la intensidad en directo y no la sensación de desahogo.

El dúo Matt & Kim es todo lo contrario, tienes unas pocas canciones casi esqueléticas -con tan solo un teclado y una sencilla batería- que en vivo son amplificadas como píldoras incendiarias del buenrollismo. El contagio de la melodía y las ganas de diversión tras una bonita sonrisa, son un perfecto binomio de éxito. ¿Frivolidad? pues me vale también.

Justo en el lado opuesto, les siguió un obscuro Gary Numan que -sin disculparse por la media hora de demora- se presentó en plan Trent Reznor con su actual banda de rock industrial, pareciendo querer olvidar su logro de pionero del electro-pop, pero aprovechándose de lo que vendió con aquello. Fue curioso escuchar el hit ‘Cars’ al tercer tema, aunque sonase más parecido a la versión de Fear Factory que a la suya propia.
Por lo que espantado y sin apenas quererlo, me vi con las pupilas dilatadas, céntricamente situado y con perspectiva suficiente, para no perderme detalle del actual mega espectáculo de los Pet Shop Boys, titulado Pandemonium (Parlophone, 2010) -imprescindible el conjunto de audio con vídeo- y del que se constata en directo: la precisión en el uso de impactantes visuales, los números de baile fundamentales en los temas lentos y perfectamente coreografiados en el resto, el vestuario tan originalmente cuidado, una escenografía basada en el píxel construida y destruida continuamente por obreros y, acompañando a todo este tinglado, una larga lista de éxitos dance-pop de la mejor factura posible.
Respecto a la voz de Neil Tennant ésta siempre es correcta y educada –se presentaba en español a la española- ¿y del papel en directo de su compañero Chris Lowe? -qué se puede decir a estas alturas, después de ver continuar un concierto a partir de que le diese un corte de digestión, sin que se notara en absoluto su ausencia (ni ser sustituido)- si él está, con su pose seria y oculto tras las gafas de sol y la gorra, mejor que mejor. Pues a ambos hay que reconocerles la grandeza y el gusto por cuidar todos los elementos de cómo comercializar la música: desde la composición, hasta la presentación en vivo, pasando por el empaquetado o todo el diseño de imagen y sonido. Por lo tanto, lo de PSB se puede definir como show de clase. Bailable y cantable al cien por cien. Una gozada para todos los públicos.

Gastar el penúltimo cartucho con HEALTH quizás fue demasiado arriesgado, pero es algo que hay que experimentar al menos. Espasmódico y difícilmente comprensible, engancha a más de uno.

El Dj Coco se encargó de poner punto y final a esta edición a golpe de éxitos seguros, como si de un cumpleaños se tratase.

Este es mi Primavera Sound en su décima edición y seguramente cada cual tendrá el suyo, aun siendo el mismo. Pero siempre habrá sido mucho más que todo lo escrito aquí y en otros sitios, ya que probablemente sea el actual mejor festival de música Indie en España.

Eli 'Paperboy' Reed, el joven agitador de almas

2010-05-23T21:21:00.007+02:00

Eli ‘Paperboy’ Reed & the True loves presenta Come and get it!
Eli Reed: voz y guitarra eléctrica
J. B. ’30 Seconds’ Flatt: órgano, piano eléctrico y MC
Ryan ‘Man Hawk’ Spraker: guitarra eléctrica
Michael ‘Money’ Montgomery: bajo eléctrico
Attis Jerell ‘Lemon Lime’ Clopton: batería
Freddie ‘Puppy’ Deboe: saxo barítono
Jalani Brooks: saxo tenor
Patriq ‘Sleepy Cheetos’ Moody: trompeta y pandereta

Se intuía que iba a ser uno de esos conciertos que dejaría satisfecho a cualquiera que tenga un mínimo de sentido musical y no sufra los agobios de una sala atestada. Al igual que a Imelda May se la reconoce como una cantante cool, al caradeniño Eli Reed se le podría entender como revelación. Pero ambos artistas, con tupé en común, lo único que hacen es beber de la época dorada de los 50 ó 60 y echar toda la carne al asador del show en directo. Comparaciones con sus predecesores serían injustas, pero nos pueden servir para describir donde están los techos inalcanzables de un sonido puramente estadounidense (Motown-Stax/Volt).

En el caso de Eli ‘Paperboy’ Reed & the True loves, podríamos pecar por acordarnos de James Brown, de Sam Cooke o del reverendo Al Green, aunque no lo haremos pese a los motivos para ello: eligió para ajustar sonido ‘the Satisfier’, enlazó ‘Twistin' the night away’ a su ‘Tell me what I wanna hear’ y predicó contra lo nocivo del tabaco ante un público maleducado. Mejor disfrutar del gustazo de sentir su sudor escénico como nuestro, en este tiempo de falta imaginativa que vivimos. Demostrando que el R&B de calidad sigue teniendo la inmediatez del pop y la vigorosidad del funk. ¡Oh señor!, no teníamos espacio para clavarnos de rodillas tras un salto, ni casi para emular esos pasos de baile tan grooves. Aun así, nos pudimos contentar con seguir entusiasmados el ritmo con solera de la banda, dirigida por el joven de Massachusetts y reconocer como inusual la voz portentosa de este soulman blanco.

Eli ‘Paperboy’ nos recordó con ‘I'm gonna break every heart I can’ del gran compositor country Merle Haggard que cualquier estilo musical con perspectiva puede tener coherencia con su propuesta -y de ahí sus dos discos de covers-, demostró que sabe salir y entrar del escenario con soltura suficiente, gracias en parte a 'los Amores verdaderos' –la banda de siete buenos músicos que lo acompañan-, pero que si ha de quedarse sólo no le tiembla el pulso, como demostró en ‘Am I casting my time’ con el único acompañamiento del Hammond y su propia Gibson SG 335 o en ‘Pick your battles’ cambiando órgano por trompeta.

Su primer disco para una gran discográfica: Come and get in! (Capitol, 2010) es igual de disfrutable que el anterior con temazos como ‘Just like me’, baladas como ‘Time will tell’ o el cierre impresionante que es ‘Explosion’, con el cual finalizó el concierto a nivel del energético ‘(Doin' the) Boom Boom’ antes del bis. Y así se sintió el estallido.

¿Podía haber sido mejor? Sí, pero tan solo con un par de coristas en el único rinconcito libre del escenario o con una sonorización más aceptable. A yanquis acostumbrados quizás no les sorprenda la re-visitación de sus orígenes musicales, pero por estas latitudes no es tan frecuente y se agradece la calidad y entrega de Eli ‘el Repartidor de periódicos’.

© m. tébar almansa, en Murcia a 23 de mayo de 2010

Yo cuando sea mayor quiero ser como Javier Ruibal

2010-05-22T12:53:00.003+02:00

Javier Ruibal + la Banda del Pepo

Javier Ruibal: voz y guitarra
Antonio Gómez: guitarra española y eléctrica
Javi Ruibal junior: batería

“No hay teloneros que valgan, tan solo hemos llegado antes o después” indicó Javier Ruibal refiriéndose al grupo de world music con más trascendencia que hay en la Región de Murcia “… yo cuando sea mayor quiero ser como la Banda del Pepo” repitió en un par de ocasiones. Y es que el viernes por la noche el maestro gaditano se subió a un escenario distinto al de su cita anual con Ceutí, en esta ocasión fue el humilde Auditorio y Centro de Artes Escénicas de Beniaján quien programó el arte de uno de los mejores escritores de canciones del país.

Cierto es que el ambiente quedó perfectamente predispuesto a los aromas africanos, mediterráneos o de ida y vuelta por la simpática labor del Pepo, aglutinador de una familia de talentosos músicos “sin fronteras ni banderas” que orgullosos de su condición de barrieros podrían llegar allá donde la música se entienda como lenguaje unificador, ya que poseen una amalgama riquísima de sonidos –el mismo Ruibal se interesó por el catálogo de instrumentos que portan entre Diego López, Osvaldo Jorge y Juan José Robles- y esa pizca de flamenco tan nuestra, que imprime elegantemente José Antonio Aarnoutse.
Pero su concierto tuvo un añadido especial: la Carmen, de la Banda del Pepo, recibió el bonito detalle de poder cantar a dúo ‘Al amor’ con el autor del tema -versión que se encuentra en el magnífico Tanto por hacer (Nufolk, 2009)- acompañados dulcemente por un Robles estrenado como zanfonista y demostrando la grandeza de un Ruibal que –reconoció no haberla cantado desde que la compusiera hace 18 años- dio más magia si podía caber al grupo, que ahora tendrá que crecer aunque para ello deban irse fuera.

El fiel público que tiene el autor de Pensión Triana (Lollipop, 1994) está acostumbrado al formato económico en trío con que últimamente suele actuar Javier Ruibal –paradójicamente, pues publicará próximamente otro disco en directo pero esta vez con orquesta sinfónica- por lo que no sorprendió que comenzase cantando ‘Para llevarte a vivir’ sobrándose con su estupenda propia mano derecha, llamando al almeriense Antonio Gómez para tocar ya a cuatro manos ‘Besos en abril’ y a su hijo para que los acompañara con la batería desde ‘Y la noche fuera’.

El siempre sonriente cantante, de el Puerto de Santa María, no tiene más que abrir la boca para cautivar dejando fluir sus letras que te cuentan, con matices, historias de paraísos terrenales cotidianos y relaciones amatorias (reales o imaginables), que ponen los pelos de punta y que incitan a ser tarareadas con la vocecita pequeña. También lo que cuenta entre temas crea complicidad y hasta la presentación de un himno sub iúdice, para el centenario del Real Betis balompié, es motivo de celebración como si de una chirigota se tratase. Prefirió presentar un par de canciones al nivel de su perezosa colección, antes que atender a peticiones donde quizás tenga que hacer un poco de esfuerzo por recordar.

Pero a alguien que tiene la capacidad de emocionar con ‘la Rosa azul de Alejandría’, entre otras joyas, quién es el que lo cuestiona. Además, en Cádiz se sabe que es preferible vivir bien a que te lleve la vida en ello y como diría el maestro Krahe “es mentira que el trabajo dignifica”.

© m. tébar almansa, en Murcia a 22 de mayo de 2010

la Fascinación de la mot française

2010-05-20T01:40:00.001+02:00

Brigitte Fontaine + Arthur H + Carl

Lo primero que hace un buen amante de la música al llegar a una ciudad distinta a la de residencia es coger la agenda cultural y localizar, en la medida de su calendario y presupuesto, el concierto más atractivo por el motivo que le sea. Yo por ejemplo, elijo el rara avis o difícil de ver en otras circunstancias: aquel artista que no publique en determinados países, que no se prodigue en directo, que se escape al conocimiento/gusto de los promotores locales, que sea desconocido por el gran público o que se piense “desaparecido”, que suene políticamente incorrecto …que tenga un caché poco rentable (o ninguna financiación pública).

Así que, la suerte de coincidir por 5 horas con un curioso triple cartel de nombres propios en les nuits du Botanique estaba echada -pues cumplía sobradamente con las premisas-: Carl (Bélgica), Arthur H (Francia) y Brigitte Fontaine (Bretaña), sucesivamente, cautivaron al pintoresco público en el Koninklijk Circus de Bruselas.

Al joven Carl, compañero de escudería de Françoiz Breut y carne en ciclos de música indie-extraña, le tocó abrir en casa pero sin cortarse por aquello de ser telonero y agradecido. Desplegó una serie propia de ilustraciones silueteadas que le dieron la atmósfera suficiente para contarnos su cuento y meternos en el mismo. Se hizo acompañar por un violín, una trompeta y unas bases de batería mecánica y programada, así como de un sorprendente césped danzarín que repartió briznas entre las butacas.

Nada más comenzar Arthur H su concierto de piano solo, me dije: “después del hijastro italiano que tiene el señor Waits ya le he encontrado uno francés”. Una voz de bon vivant decadente, el punto serio de humor irónico y la tranquilidad ante ser aclamado reivindicativamente, hacen de él una experiencia gustosa. La habilidad de reinterpretar un repertorio desproveyéndolo de toda la maquinaria que acostumbra, el guiño al poder de la escenografía yendo él mismo a por una lámpara con cuatro luces torcidas como de desguace e intuirlo usar el iPhone como metrónomo, le dieron más valor si cabe al asunto del minimal live.

Pero el atractivo morboso de la noche era comprobar qué puede hacer una mujer con más de 70 años, bien vividos, cantando sobre un escenario. El ver aparecer a la abuela Brigitte Fontaine con sus piernas arqueadas, de extraño andar y más aun pronunciar, con un vestido corto y vistoso tocado de plumas sobre el lacio pelo -más largo que en su juventud- ataviada con unas esposas de brillantes colgando de su muñeca izquierda y una extraña pulsera metálica que le cubría hasta el anular derecho, lo primero que le puede inspirar a un neófito es patetismo, con la consecuentes deserción.

Tras aguantar el impacto visual y sónico, todo cobra sentido. No en vano ella ha sido una cómoda pionera en vanguardias, del free jazz a la world music, pasando por el pop-rock electrónico o la música clásica pero siempre con una buena dosis de poesía necesaria -característica de la canción comprometida- pero alejada de la tradicional chanson francesa.

La Fontaine parece que está “fuera de todo”, pero los elementos del directo juegan en su favor:
su fiel compañero Areski Belkacem no tiene ya que justificar su aparente estar sin hacer casi nada –es el co-autor de la mayoría de canciones que sonaron, como por ejemplo la preciosa ‘Vent d'automne’- más allá de animar l'intervalle de la intérprete, que aprovechó para cambiarse por una gorra negra de aviador con orejeras y las esposas por un par de esas rosas, a la venta en sexshops.
El guitarrista Yann Péchin -sacado de los metálicos ochenta- hizo a la perfección su trabajo exagerando lo justo y sin parar de tocarse la melena, unidos ambos a la contundente base rítmica y a un preciso pianista-sampleador -fundamental en ‘la Symphonie pastorale’- crearon la banda perfecta para poner en pie a un público escéptico de artistas históricos, que reconoce en piezas tan diversas como ‘Prohibition’, ‘Brigitte’, ‘ Comme a la radio’, ‘Conne’ o ‘Soufi’ -sin que Grace Jones se pasara por allí, pero con Arturo Hache apuntado al mantra grupal- la grandeza de la música sin límites, más allá de las normas pre-establecidas.

Con mucha sabiduría, don de palabra, revelando una fascinación escénica diversa y con las botas bien puestas, la cantante-escritora demostró que lo suyo es avant-garde musical en estado puro.
O tal vez, si el punk no hubiese muerto éste se llamaría Brigitte.

© m. tébar almansa, en Bruselas a 16 de mayo de 2010

lo que vi y no escribí (XIII)

2010-05-16T20:08:00.008+02:00

Audio's Pain ★ ★ ★; Raphael ★ ★ ★ ★;
Fito & Fitipaldis + la Cabra mecánica ★ ★ ★ ☆; Benjamin Biolay ★ ★ ★ ★ ☆

las Cantigas de Mayo 2010 nos premiaron con un Drexler de Oscar

2010-05-09T19:28:00.012+02:00

Jorge Drexler, gira ‘Andar la trama’
Jorge Drexler: voz y guitarras
Matías Cella Agri: bajo eléctrico, ukelele y director musical
Borja Burrueta: batería
Sebastián Merlín: marimba, percusión y guitarra acústica
Carles ‘Campi’ Campón: serrucho, theremin, autoharpa, glockenspiel, omnichord, loopstations, mini-samplers, lap-steel, musicbox
Roc Albero: trompeta
Fabrizio Scarafile: saxo tenor
Santiago Cañada: trombón

El certamen Cantigas de Mayo de Ceutí llegó a la undécima entrega de premios con las dos únicas cantautoras de las doce finalistas: Elena Bugedo y Patricia Lázaro (ambas residentes en Granada) logrando el segundo y tercer premio respectivamente. Tan solo superadas por un sorprendente debutante cantautor llamado Pablo Maez, que en inglés consiguió aunar el fallo del jurado para proclamarlo vencedor del certamen, consiguiendo de esta manera el cheque de 4.000€ de los ocho mil cien en juego, relevar a Fede Comín y convertirse en la revelación de la canción de autor en Murcia.

Como cada año el invitado, en esta última jornada de premiación, es algún músico destacado en el estilo que se promueve. Así la participación de Jorge Drexler con su décimo trabajo es más que honrosa por méritos propios (y reconocimientos), de la misma manera que ya en 2002 se le reconociera su talento ascendente. Aunque de aquella primera etapa española el uruguayo solo nos recordase en el nuevo directo: ‘Cerca del mar’, ‘Aquellos tiempos’ –candombe acompañado a seis manos percutiendo divertidamente la marimba- y de forma atrevida -cantada y tocada a pelo- la demandada ‘Zamba del olvido’.

Recién embarcado en la presentación de Amar la trama (Warner, 2010), lógico es que Drexler centre el actual repertorio en este trabajo -grabado con toda la banda a la vez y con un selecto público presente en el estudio-, evidente que recurra principalmente a Eco (Dro, 2004) -su obra maestra- y sorprendente es que ni toque algo de Sea (Virgin, 2001) en pro de canciones crudas como: ‘Disneylandia’ reproducida más orgánica que en disco, con sus samplers, con el embaucador tañer en las lengüetas de la marimba y con una sordina que embelesa o ‘Soledad’, interpretada a la vuelta del primer bis sin grupo –y sin Maria Rita-.

La super-banda con que ha contado Jorge para el último disco es casi idéntica a la que debe estar agradecido en esta gran gira: Andar la trama. Los ocho músicos se mueven según lo diseñado por el bajista Matías Cella, salen, entran y se intercambian las posiciones con naturalidad, cuidando en todo momento el sonido y creando diferentes atmósferas unidas en algo tan próximo como bien ensayado –sonorizado o no, es lo de menos-.
'Todos a sus puestos’, la sección de vientos suena a jazz de club, el co-productor Campi atrae continuamente la atención con los preci(o)sos sonidos de sus “extraños” instrumentos y ruidillos electrónicamente efectivos, todo tuvo sentido bajo la batuta del autor de las canciones que sonaron anoche, a excepción de ‘I don’t worry about a thing’ del influyente hombre de jazz y blues Mose Allison y ‘Ayer te vi’ un candombe del renovador Rubén ‘Negro’ Rada, tocada festivamente para despedir la noche.

A Jorge Drexler le sobran tablas para marcarse la linda ‘Noctiluna’ en formato unplugged & ultranaked, su timbre de voz es bonito y su estilo de componer reconocible, su sonrisa conquista y transmite lo que cuenta en la canción perfecta ‘Todo se transforma’. Ni el timbre de un móvil sonando fuera de tono (y de lugar), ni las palmas o los coros de un público bien acompasado, ni alguna pequeña distracción sin importancia, ni un foco humeando aplacado a tiempo; disminuyeron la calidad de un concierto de los que enamoran a confesos y recuperan a descreídos. Inteligente, ameno, variado y cualitativo, ¿Se puede dar más?.

Por pedir… podríamos haber visto (cantando en español) a Leonor Watling acompañando al solo de trompeta y a su marido en ‘Toque de queda’, a Ben Sidran pasando por allí o tocando piano ‘Al otro lado del río’. Aun sin esto, fue un verdadero placer reencontrarse con este cantautor -en el mejor sentido-.

© m. tébar almansa, en Murcia a 9 de mayo de 2010

Ilegales, punto y aparte

2010-05-08T17:13:00.004+02:00

Ilegales: gira de despedida ‘¡Adiós Amiguitos!’
Jorge Martínez: voz y guitarra eléctrica  
Alejandro Blanco: bajo eléctrico
Jaime Belaustegui: batería
Lugar: sala Gamma de Murcia

“Señoras y Señores, el momento es ¡Ya!” con este saludo se presentó Jorge ‘Ilegal’ Martínez, el carismático líder de pluma perspicaz y afilada, guitarra sobrada, lengua suelta y único superviviente original del trío Ilegales.
‘Todo lo que digáis que somos’ fue la primera elegida en una lista improvisada de 40 -no precisamente principales- entre las 126 Canciones Ilegales (Pop Up, 2009), su legado de despedida “antes de reconvertirnos (que no desintegrarnos) en Jorge Ilegal y los Magníficos”. Por si algún fan despistado aun no se hubiese enterado de la excusa para esta “última” gira del grupo asturiano, una banderola colgada sobre el escenario indicaba la autoría de sarao: jorgeilegal.com

Con buen sonido, pero pocos vatios, dieron lo que se esperaba de ellos: rock and roll, blues, punk, mucha mala hostia y menos sudor del esperado. A pesar de ver como Jorge se esforzaba continuamente por escurrirse la calva –cierto es que reconoció llevar ingeridos muchos fármacos, de los que no colocan y sí desconcentran- el nivel de testosterona no estuvo a la altura de lo esperado para oír decir el adiós definitivo. Quizás influya tener enfrente un respetable que ya no volverá a cumplir los cuarenta, con un porcentaje de nueve varones por cada hembra y con las ganas de poguear mantenidas, pues el cuerpo ya no les deja como en aquellos años de la Movida.

Arremetió contra la hipocresía de los “soplapollas” compañeros de profesión en ‘Dextroanfetamina’; recordaron que los roqueros no hacen votos de pobreza y que esperan triunfar en TV con ‘el Rey del insomnio’; declararon amor a las víctimas de sus ofensas por ‘Eres una puta’ y demostraron sinceridad ante su público: “por la disposición de la sala moveos de la primera fila al centro, para escucharnos mejor”, “me cago en la hostia, me está dando un calambre en la mano mientras toco”, “nos gusta tomárnoslas con vosotros para poder seguir aprendiendo algo” –de hecho se marcaron un pase VIP previo al bolo-.

El repertorio se centró en sus tres primeros elepés, con ‘Tiempos nuevos, tiempos salvajes’, ‘Destruye’, ‘Bestia, bestia!’ entre de los momentos más queridos y en el último disco de estudio, con también algunas grandes composiciones tal que ‘Chica del este’ o ‘Libérate’ –personalmente, eché de menos algunas baladas más en esta línea-. Un concierto tocado del tirón, interrumpido fugazmente al cambiar la Les Paul por la Stratocaster para poder interpretar los celebrados retro-temas ‘el Piloto’, ‘la Fiesta’ y otros tantos hasta terminar con un coreado “Bien, bien, bien, ha salido bien ¡No te jode!” antes del bis ‘Soy un macarra’ y ‘África paga’ con Martínez bastándose él solito.

Pues esto mismo es lo que son y han sido Ilegales: chulos y autosuficientes. Fueron algo más que una banda armada y que una pose concienzuda.
¡Adiós amiguitos!

© m. tébar almansa, en Murcia a 8 de mayo de 2010

Rufus (y V)

2010-05-06T17:57:00.008+02:00

Van 5 las veces que he visto en vivo y en directo a Rufus Wainwright:
· el 30 de Abril de 2005 en la asociación cultural Hiroshima mon amour de Torino con banda, teloneado por Joan Wasser (sóla al piano) con su hermana Martha Wainwright (que nos visitará este verano) a los coros y violines y con su madre Kate McGarrigle con la que hizo una versión de Kate&Anna McGarrigle, era la gira del Want two;
· el 20 de julio de 2007 en la carpa del Festival Internacional de Benicassim con banda, era la gira del Release the stars;
· el 09 de noviembre en el Festival de Jazz de Cartagena con banda, de nuevo cantando con la mami (esta vez por Judy Garland) y meet & greet incluido, recien publicado el Rufus does Judy at Carnegie hall;
· el 02 de mayo de 2009 en un escenario al abierto del SOS 4.8 de Murcia sólo con su piano fuera de lugar y a trincar el dinero, recien grabado el Milwaukee at last!!!;
· y el 05 de mayo de 2010 en el teatro circo Price de Madrid sólo con su piano de cola en toda su circustancia de pérdida, es la gira del All days are nights: songs for Lulu.

En cada una de ellas, con su repertorio y particularidades bien distintas, se ha mostrado como un artista completo, exagerado, emocionante, delicado, grandilocuente, todo una prima donna.
Pese a continuar desconocido para el gran público, de Rufus ya se han escrito ríos de tinta, ha aparecido en las listas más prestigiosas de álbumes y/o actuaciones del momento, ha colaborado en innumerables grabaciones con los más variopintos artistas, se dio a conocer por sí mismo (o por los créditos de alguna película) pese a sus progenitores y desde él se han descubierto sus hermanas e incluso algunos de los músicos que lo rodean -los que lo admiran y adulan ya eran famosos-. Qué más se puede decir, que no se haya dicho.

Que me quedo con sus conciertos de interior alejado del rumor de festivales; con la desfachatez de ser un líder más que por ser un divo; con casi todas sus canciones -según el momento y mi ánimo-; con la bata de satén negro y cuello de plumas, con el albornoz blanco y los morros pintados de carmin, con maquillaje pálido o pedrería kitsch multicolor, de tiroles o de miss dondesea, en ropa interior o de chaqué, medias y zapatos de tacón; envuelto en silencio sepulcral, sentados conteniendo la respiración sin poder aplaudir entre temas o en pie cantando como un loco, al son de su barita mágica -según la compañía y mi descanso-; por partes o del tirón con todos sus bises.
Rufus necesita del escenario, de los alagos y de compartirnos todos sus fantasmas y logros vitales. Y sus fans de ver al 'gay messiah'.
Quién pudiera y que además le pagaran por ello.

Del varón de Loudon Wainwright III se ha dicho sobre la experiencia de escucharlo en directo: que asemeja a lo divino, yo como no creo en dioses (de momento) confirmo percibir que lo hace casi siempre divinamente. Ya sea tanto sonatas como canciones de pop barroco.
Por ello, mi coetáneo Rufus McGarrigle Wainwright debe ser un pequeño genio. ¿No?

Cantigas de Mayo 2010

2010-05-04T21:34:00.011+02:00

Una vez más, el pueblo de Ceutí (Murcia) recibe a los más granados cantautores. Aunque solo escucharemos a dos cantautoras (y un ¿dúo? con voz femenina) entre la docena de semifinalistas en la XI Muestra Nacional de Canción de Autor.
Las Cantigas de Mayo se han convertido en uno de los certámenes prestigiosos (en España) con la denominación musical más ecléctica de las posibles, pues tan solo tienen en común que el cantante sea el autor de sus propias composiciones (o canciones) y quizás algo de: poesía, mensaje, crítica, pose, historia, cotidianidad, fantasía…
Los estilos y temáticas tan solo obedecen a estereotipos.
Como cada año, lo único cierto es que actuará el vencedor del pasado año más un artista admirado de gran prestigio: Fede Comín y Jorge Drexler serán los respectivos en esta edición. También que el cartel lo pinte el maestro Leandro Lamas.

PS. y el podium este año queda… así:
1º Pablo Maez ¡Ojo y oido al chico!
2ª Elena Bugedo
3ª Patricia Lázaro

Soundscapes by Robert Fripp & Schwarzs Panzerklebeband

2010-05-03T11:29:00.006+02:00

Al igual que se entienden los Paisajes Sonoros de Robert Fripp como una incorporación de electrónica digital y pedales de efectos al sistema de sonido conocido como Frippertronics, se comprende el uso que Alfonso² hace de la Cinta Americana (duct tape) y su rechazo ante cualquier palmadita en la espalda a su trío de rock'n'loquesea
-la Tarasca se atrevió premiándolos como mejor grupo de música popular-.

El genial guitarrista de King Crimson

nos mostró en comedido y atmosférico directo su segunda relación musical con el (también inglés) músico de jazz Theo Travis. Nueve piezas en las que Travis alterna las notas salidas de su flauta alto con las de su saxo soprano y estas se mezclan con los punteos, arpegios, delays, overdubs y loops de Mr. Fripp en un manto de música ambiental-progresiva. Sonó 'Moonchild'.
Miradas complacientes de reojo y esbozos de sonrisa como única comunicación humana mutua. De hecho, tras la advertencia de bienvenida recitada a cuatro voces y sendos idiomas, no hubo más palabras en todo el concierto que las extremadamente educadas al pedir perdón y paciencia para resolver un problema técnico, más el correspondiente agradecimiento por la comprensión mostrada. Imagínense la metodología rota.

De la reaparición en vivo de la banda de culto con nombre alemán (aunque murciana de nacimiento), qué se puede decir para no quedar como un tío raro al que le gusta el ruido. Pues que el último cocido de los Schwarz debería estar servido desde hace 8 meses, pero el potente directo que se vio en Microsonidos nos lo anticipa.
Con un giro en sus letras hacia la lengua española, con JuanMa abandonando el bajo eléctrico -ahora dedica todo su esfuerzo a los sintetizadoresy samplers-, con la incorporación de cajas electrónicas retro a la batería contundente de César y ¡Cómo no! con la espectacular cacharrería modificada del guitarrista y "cantante" Alfonso -que ya no toca sintes- se sobran de ingredientes necesarios para crear los bleeps y drones acostumbrados. De lo onírico a la crudeza política. Shoegaze-prog-kraut-pop-rock ¡Uníos!.
Espíritus del desierto, estáis invocados.

un Paso de progresión más allá

2010-05-02T18:00:00.002+02:00

Estrella Levante SOS 4.8, 2010

Atendiendo al subtítulo del Estrella Levante SOS 4.8 (Festival Internacional de Acción Artística) que reza así: 48 horas ininterrumpidas de Música, Arte y Reflexión en Directo, intentaré en este modesto espacio hacer lo propio.

En primer lugar, reconocer que ha sido evidente el exitazo obtenido en la tercera edición de este festival con nombre tan acertado y patrocinio identificativo –aún desconozco por qué no es llamado Región de Murcia SOS 4.8, si de poner dinero se trata ¿Complejo de inferioridad quizás?-.
El entorno del Centro de congresos y su edificio anexo es un valor muy importante para el correcto desarrollo del evento. Las gigantescas cifras barajadas se tradujeron en expectaciones cubiertas, asistencia de público excedida --sin necesidad de tirar de infinitas invitaciones- y cobertura mediática controlada. La organización resolvió a un nivel alto con el reto de consolidarse en el malgastado panorama de festivales y las infraestructuras y disposiciones de escenarios se vieron muy mejoradas. Pudiendo reponerse del susto que les dio la lluvia el sábado a medio día, afectando tan solo a los ilusionados Varry Brava a los que cancelaron del cartel así como a la exitosa troupe las Vegas Chapel, en la acertada carpa cabaretera. Sin embargo es reprochable la falta de información puntual a medios e incluso en deferencia de los sostivaleros, ante el desbarajuste de horarios del segundo día.
Obviaré también el concepto de sostenibilidad, tal como es planteado por la dirección del festival, las manifestaciones artísticas contemporáneas y las conferencias-charlas de menor nivel que en años anteriores, aquí todo queda relegado al plano musical.

Albert Salmerón, director de contenidos musicales, ya anunciaba que los platos fuertes del cartel serían los avances de los nuevos trabajos por dos o tres bandas extranjeras –sin citar a los siempre queridos y apreciados por sus directos Nada Surf, que lo llevaron recién sacado del horno y se explayaron firmando ejemplares-; de Crystal Castles no puedo opinar pues los sentí machacar con su ruidosa electrónica de baja fidelidad a larga distancia, demasiada también para apreciar el buen hacer de los escoceses Franz Ferdinad y poder darme cuenta de su enorme convocatoria –convirtiéndoles en cabeza de cartel indiscutible del festival-; de Hot chip no noté tal magnitud ya que lo destacable fue oír que son más orgánicos en directo que en disco, que cantan peor y que su hit ‘Ready for the floor’ hace más gracia que el cover ‘She wolf’ de Shakira; por el contrario con de the Magic Numbers sí que es para rendirse en elogios, pues seguramente fue el mejor grupo de los dos días de música: actitud indie, aunque agradecida y modesta, con preciosas voces (a lo Supertramp, Fleetwood Mac con Stevie Nicks, Prefab Sprout,…) imprimiendo calma e intensidad a partes iguales o emanando olor a campo a la vez que a macro-concierto.
También resaltó: el inicio de gira de Tindersticks, la banda del embaucador vocalista Stuart A. Staples y plato principal dentro del Auditorio, que a pesar de su elegancia manifiesta continúan haciéndose monótonos en vivo y más pensando en la que está montada afuera - cosa que escuchándolos en casa no sucede-; la espectacularidad del tratamiento de la imagen grotesca o de la cotidiana de sucesos por parte del realizador Chris Cunningham que desesperó con la espera para no ir mucho más allá de lo ya conseguido en sus espectaculares videoclips o los disc/video jockeys de Addictive TV que demuestran dominar el concepto del tráiler para cine –ambos artistas actuando la próxima vez en una sala obscura y con butacas, por favor-; o que el plato fuerte sería el reencuentro de la afición española con las mezclas melómanas del señor Norman Cook enfundado en su papel simpático de Dj Fatboy Slim con unos espectaculares juegos de luces. Resultón sí –atrás quedó su momento nº 1 de la pista y mucho más lejos sus bandas the Housemartins, Beats International o Freak power- pero decir espectacular después de ver un show del dúo Orbital, cómo que no.

Fuera de las recomendaciones previas y como casi nadie tiene sentido de la ubicuidad, a título personal destacaría la charla con un tranquilo y amable Carl Craig hablando ante apenas 50 personas del espíritu del Detroit techno; las dos sesiones de ‘Poetas entre extremidades’ con Javier Colis musicando los micro-poemas de Ajo, Susana Cáncer aliviando con el Steinway & sons las sombras y desamores enfermizos de Javier Corcobado o la nueva generación representada por Eduard Escofet con el trío Bradien; el conciertazo de los madrileños L. A. muy a tener en cuenta y por supuesto One step beyond… los divertidísimos londinenses Madness, que casi 35 años después siguen haciendo mover a generaciones distantes con una serie de himnos ska que son parte de la historia. Las formas no lo son todo y ellos mantienen hasta éstas.

Musicalmente se puede pedir más a un festival con tal presupuesto, por ejemplo: riesgo, innovación, contemporaneidad y eclecticismo, … Agradecidos hemos de estar, por cierto, del aumento de artistas murcianos en el programa: los únicos TalentoSOS Inkeys, la siempre querida Alondra Bentley, the Leadings con su recién estrenado álbum debut y la aguerrida Lidia Damunt. Pero no obstante y para consuelo, como se escuchaba por ahí “Esto, para ser en Murcia y con lo que cuesta la entrada, no está nada mal”.

© miguel tébar almansa, en Murcia a 02 de mayo de 2010

el Barrio comunica

2010-04-24T14:08:00.005+02:00

Llegando observo algunas merendolas improvisadas en los entornos a la plaza de toros de Murcia antes de alucinar con las largas colas para entrar al recinto de conciertos, en la taquilla compruebo la alarma por estar las entradas agotadas, algún astuto reventa intenta colocar su producto, junto al inmenso puesto de merchandising que espera también hacer buena caja a la salida, vendedores ambulantes con largas torres de sombreros negros a la venta por 5 euros, negocio seguro si no es porque la mayoría ya lo trae puesto, imagínense un veinte por ciento de las casi diez mil personas rindiendo tributo a José Luis Figuereo Franco, el “Hombre del sombrero”. Ya nada de esto es anecdótico entorno a El Barrio, que tras 13 años de carrera como “cantautor” sin ceder a las multinacionales del disco, sin sonar masivamente en televisión ni radio, sigue poniendo su noveno trabajo de estudio Duermevela (Senador, 2009), en el puesto número 1 de ventas y las correspondientes extensas giras llenas allá por donde quiera que actúe.

Pero, ¿De qué va este fenómeno de masas si los medios especializados no se hacen eco?. He de reconocer que ni una sola vez había escuchado una canción de el Barrio, leído una entrevista o visto algún vídeo suyo (ni siquiera por YouTube), eso sí, reconocía los politonos para móvil de escucharlos por todas partes. “Hay gente que se pregunta, porque en todos los conciertos, nos reunimos tanta peña, porque todos con sombrero, pase pronto que le explico, pase pronto caballero, vera usted gente con arte, y con mucho sentimiento…”

El título del disco parece nacer del comprensible estado en que se encuentra el “artista” víctima de su propia fama, incompresible si gente como Camela no hubiesen sentado precedentes. Al entrar, un escenario de grandes magnitudes y derroche de potencia eléctrica, convertida a la postre en deslumbrantes juegos de luces saturadas, proyecciones horteras y un grandilocuente sonido nada fino. Las gradas hasta los topes de gente variopinta: tras el burladero mi tía Paqui de 60 tacos sentada con sus amigas, en la zona de sol mi adolescente prima Lola con su novio dispuestos a bailarlas todas, repartidos por el ruedo padres con sus hijos a cuestas, chicas buscando chico y viceversa, en lo más alto, sin apenas visibilidad (en la zona VIP), una joven de Cartagena vestida de novia, con su gorro puesto y sin que nadie la frene esa noche -faltaría más que no tuviera el broche deseado a semejante día-.

¡Ah! y todo esto para ver en concierto a un gaditano cuarentón que no tiene gracia, voz alguna o que ni siquiera es bonita. ¿Entonces qué ofrece El Barrio?, dicen que la empatía se encuentra en las letras, de la poesía del obvio a la narrativa cotidiana ‘el Comienzo’, deudora de la rumba catalana ‘¡Ay aquellos maravillosos años! (los Amaya, Peret), del rock andaluz fuera de época ‘Cómo llora el amor’ (Triana, Medina Azahara), del flamenco rock (las Grecas) y del flamenquillo canalla por bulerías ‘Patio de naranjos’ (Bambino, los Chunguitos), con la crítica social del patio de vecinas ‘Moda’ y el sempiterno desamor ‘Buena, bonita y barata’ como temáticas unificadoras, creando una nueva clase: “…Somos los barrieros y venimos todos a una, debajo de mi sombrero mi alma blanca, blanca como la espuma. Orgullo de barriero, bohemios y soñadores, no tenemos mas fortuna que nuestra luna, el sombrero y las canciones”
(extraído del himno ‘Orgullo’).

Hay condiciones y capacidades, decisiones y prejuicios, a cada cual lo que merece. ¿La comunicación es arte?. Respeto y libertad. Sobran las palabras.

© m. tébar almansa, en Murcia a 24 de abril de 2010

Revólver sin munición

2010-04-23T16:26:00.005+02:00

RevólveЯ: gira 21 gramos 2010

Carlos Goñi: voz, guitarras  acústicas y harmónicas
Íñigo Goldaracena: bajo acústico
Julián Nemesio: percusión
Cuco Pérez: acordeón

El actual formato elegido por Carlos Goñi para los conciertos de interior es su ya famoso unplugged (hasta tres volúmenes Básico conforman su discografía), pero ahora Revólver ve reducida la formación a cuatro músicos –la crisis no parece ser indiferente a nadie- lo que le desprovee de la fuerza a una banda rock concebida como eléctrica y por otra parte de los arreglos de piano, violín y otras cuerdas que tanta falta le hacen a las canciones “desenchufadas”. Otra cosa distinta sería, ver al compositor y cantante sólo con su guitarra al más puro estilo cantautor. Y en esto precisamente reside la principal paradoja.

El valenciano Goñi, desde que bautizase hace veinte años su nueva banda con nombre de arma de fuego semiautomática, no ha podido (querido) quitarse de encima la comparación agraviosa con Springsteen, lo que le aproximó fue poder contar con su teclista -en un tema del probable último disco relevante, allá por 1995-. El resto, con la perspectiva de una y otra carrera, únicamente son imaginaciones infundadas. Pero ante el oído de los seguidores todo parece sonar distinto.

Aquí no trato de contar los días de vino y rosas de Revólver, que justamente los tuvo, sino de dar una perspectiva de lo visto y escuchado ante unas 1.500 personas entregadas ciegamente. Aunque su última edición haya sido la antológica caja, soñada por cualquier músico y deseada por su correspondiente coleccionista, él -o lo que es lo mismo: su banda- sigue defendiendo las canciones del correcto 21 gramos (Warner, 2008) con ‘Clarisa’ o ‘Y pasa el tiempo’ como destacados. Incomprensiblemente, a no ser que se quiera insistir subliminalmente en la venta del disco, ya que sacrifica un repertorio que seguramente se corearía y disfrutaría de principio a fin, sin concesiones.

Claramente cayeron grandes éxitos como ‘Tú y yo’ o ‘Dos por dos’ y alguno más tras los bises, pero en el contexto parecieron ‘Fuera de lugar’. El egocentrismo disimulado de un artista que inicia su concierto con unas largas palabras de bienvenida y agradecimiento -era la octava vez en la Región de Murcia, en lo que lleva de gira-, que repetidamente te cuenta historias nada interesantes, entre tema y tema, con unas palabras bien medidas -esperando el aplauso fácil del público- cuando no impacienta al más fiel afinándose el mismo las guitarras o alardeando de no llevar setlist previsto, por no citar al respetable graderío cuando se lanza por palmas… dejan la sensación de tedio absoluto, de estar viendo el refrito de una película que tuvo su momento y que ahora se repone para vivir de las rentas –aunque nunca se haya frenado la proyección-.

Tergiversando al propio Carlos: ¿… Que veinte años no es nada?.
Esto es lo que es hay lo que hay por ahora no dan (para) más.

© m. tébar almansa, en Murcia a 23 de abril de 2010

los Últimos de las fiestas

2010-04-11T23:53:00.007+02:00

Tras tanta música procesional, de "estrellas" murcianas y de pitos sardineros, tuvo que venir desde suecia un quinteto de veiteañeros a demostrarnos como se hace música completa: elegante, atractiva, intensa, contemporánea, talentosa, bien ejecutada y fresca.

Tienen el curioso nombre de Immanu El, atrasaron su concierto hasta pasada la medianoche del sábado -debido a motivos que aun no entiendo- y enamoraron a los pocos afortunados por verlos en su primera visita a nuestro país. Con dos elepés y un epé que se quedan cortos respecto a su gran directo, un despliegue de instrumentos y efectos normalmente solo al alcance de veteranos y una pinta de niños buenos que inspira ternura, fueron el Akvavit perfecto a las Fiestas de Primavera.

En medio sonaron los conciertos que ya he comentado, con el reventón de Maldita Nerea, 3 de las 5 bandas murcianas que pasarán por el SOS 4.8 (Varry Brava, the Leadings e Inkeys) ensayándose en escenario de considerables dimensiones, la semilla colocada por el 40% de los Madison, el estreno en casa de lo nuevo de Klaus&Kinski que parece abanderar la modernidad por estas tierras, el bueno de Fernando Rubio a reivindicar como siempre, el gran Ross encontrándose con una formación a su medida y el valiente Rubén que sabe defender él solito su proyecto Audio's Pain, aquí y en la China.

Dispuestos a pasárselo bien

2010-04-10T13:32:00.004+02:00

Hombres G: gira primavera ‘10

David Summers: voz y bajo eléctrico 
Rafa Gutiérrez y Daniel Mezquita: guitarra eléctrica
Javi Molina: batería
Dr. Paradise: teclados

25 años después de explotar el fenómeno fans de los Hombres G, escribir la crítica de uno de sus conciertos dudo que vaya a influir en algo. Caer en la pretensión de ellos mismos por compararse con the Beatles sería irresponsable, pero por darles parte de razón podríamos observar el fulgurante éxito discográfico que tuvieron en tan solo ocho años y el delirio que provocaron, incluso “saltando el charco” –salvando sustancialmente, claro está, la productividad, influencia e idioma en ambas formaciones de música popular-.

Volviendo sobre el concierto que los cuatro músicos “pijos” de Madrid dieron, enmarcado en las Fiestas de Primavera de Murcia, podría resumirse como una sincera fiesta (valga la redundancia). Lo que hacen ahora Hombres G, es lo que vienen haciendo desde que se formaron como grupo hace tres décadas. Divertirse en el escenario conscientes, o no, de sus limitaciones como instrumentistas pero poseedores de uno de los catálogos de canciones más reconocibles del pop-rock en español.

Desde ‘Voy a pasarlo bien’ hasta ‘Devuélveme a mi chica’ se podría enumerar una veintena de éxitos, incuestionables por el simple hecho de ser historia, más allá de estilos y modas. De sus últimas composiciones posprimera época recuperaron ‘lo Noto’, ¿Por qué no ser amigos? y ‘Me siento bien’ en incluso adelantaron el single ‘Separados’ de lo que será su próximo trabajo, volviendo parece ser a la “independencia” -¿Junto a Carlos Jean?-.

Sería hipócrita negar, a quien se compra una entrada para cualquiera de los conciertos que Hombres G ofrecen, que se vaya a divertir. Con casi toda seguridad se trate de un/a treintañero/a ó cuaren… que se reencontrará con toda una generación de conocidos, a los que quizás no haya vuelto a ver desde aquella celebración o desde el anterior concierto de su grupo favorito ochenteno. Y que mejor banda sonora que las canciones que le traen recuerdos para compartir aquellos momentos y alguna copa.

Indudablemente su música es ingenua, cándida y demás adjetivos que suenan despectivos en este mundillo, a no ser que se utilice escriba en francés (naïve) que seguro tendrá su punto de modernidad. David Summers y compañía, de inexpertos no tienen un pelo –sin pretender hacer la broma fácil- y aunque puedan aparentar frívolos, pienso que la naturalidad que muestran es su valor positivo. Estar tanto tiempo en el candelero, llenando recintos, no es fruto de la casualidad sino del trabajo.

Al margen de gustos musicales, al César lo que es del César.

© m. tébar almansa, en Murcia a 10 de abril de 2010

Libreta de notas mayo'08-abril'10

2010-04-09T17:50:00.011+02:00

Esta noche los siguientes artistas rinden tributo en Madrid a Antonio Vega: • Miguel Ríos • Ketama • Manolo García • Rosario • Pau Dones • Cómplices • Burning • Quique González • Enrique Morente • Tam Tam Go! • Luis Eduardo Aute • Diego El Cigala • Shuarma • Mamá • Carlos Tarque • La Unión • Germán Coppini • Cristina Narea • Carlos Vega • Coque Malla • Coti • Aurora Beltrán • Raimundo Amador •
y lo que queda de Nacha Pop.

Casualmente, esta madrugada he completado mi segunda libreta bienal y esto es lo que el homenajeado dejó en su contratapa, tras lo que fue su última actuación en Murcia el 21 de mayo de 2008.

Agradecido a Antoñico, vaya por el talento de una época en que aun se escribía en papel con tinta.

RIP. Malcolm McLaren

Shuarma mira a los ojos

2010-04-09T16:38:00.015+02:00

Shuarma: gira presentación ‘el Poder de lo frágil’
• Juan Manuel ‘Shuarma’ Álvarez Puig: voz y guitarra acústica 
• Ricky Frouchtman: guitarra eléctrica
• Mikel Bassquez: bajo eléctrico
• Albert Burcet: teclados
• Dani K-t-na: batería

La puntualidad en un concierto se agradece, sobre todo si por delante queda un par de horas para estar en pie con la sala al completo de su aforo. El motivo de la noche fue Shuarma, quien fuera cantante del grupo Elefantes e ininterrumpidamente haya visto publicada alguna colaboración con su particular impronta.

Comenzó con ‘Despierta’ del recién segundo trabajo titulado el Poder de lo frágil (Pias, 2010) en el que, a simple escucha, se aprecia menor contundencia que la mostrada en directo junto a su nueva banda. “Estos chicos que ahora me acompañan han hecho que vuelva a romper los pies de micro”, comentó el carismático cantante tras entonar ‘la Muerte’ y antes de pedir “Recordáis contar 1, 2, 3 en francés” introduciendo ‘Somos nubes blancas’ del grupo que le dio la fama. Con ella consiguió la misma reacción de emoción que con la bonita ‘Que yo no la sabía’ cantada memorablemente en un dúo junto al desaparecido Antonio Vega, al que Shuarma reconoció como uno de sus maestros y dedicó una enérgica versión de la ‘Lucha de gigantes’.

Un frontman debe de ser un cantante que, como mínimo, mantenga sobre él la atención continuada de la afición, ya sea con las canciones o con las ocurrencias discursivas para poder tomar aliento entre una y otra, sin descuidar de imprimir a los músicos la fuerza para convencer de estar unidos, ni olvidar su propia garganta e imagen –tan importante-. Shuarma encajaría en este perfil, ya que él solo llena un escenario y mantiene la concentración de sus seguidores mirándolos directamente a los ojos y llevándoselos a su terreno “Agradezco no solo que hayáis venido a vernos actuar, sino que con ello apoyéis la música en directo. Es algo que necesitamos (más que nunca) para seguir en esto los músicos”.

Se fue a bis enlazando del tirón la dura ‘Piedad’ con el nuevo single ‘Otra ráfaga de luz’, sirenas encendidas y abrazos arriba. La vuelta, acústica en mano, con la tranquila ‘Te esperaré’ dio paso a ‘Azul’ el primer éxito que tuvo y ante la que reconoció seguir emocionándose –al igual que parece suceder con todo aquel que la canta-. Incluso tuvo tiempo de jugar con el jazz y con la intensidad de los coros obtenidos ante una divertida respuesta del público en el último tema: ‘la Felicidad’ (del proyecto colectivo Bushido) .

Aunque en su caso no parezca tratarse de vivir de las rentas: quien tuvo, retuvo.

© m. tébar almansa, en Murcia a 9 de abril de 2010

Tierra, trágalos de klaus&kinski

2010-04-05T08:52:00.008+02:00

Meto el cedé Tierra, trágalos (Jabalina, 2010) en el lector ¿Gnarls Barkley? ¿lo nuevo de Gorillaz?
¡Qué va!. Las trabajadas letras son en español y es el segundo (o tercer) trabajo de klaus&kinski.

Esa voz (sin acento), no es de una cantante. Pero para cantar casi sin rima y sin estructura ni estribillos no hace falta un buena voz al frente ¿o sí?. Mejor poner una diseñadora en tu vida. La guitarra esa está afilada y la pluma mordaz. Comienza otra: ukelele, violines, armónica, mandolina. Miedos de madurez. Y otra más, con las tres primeras han de convencer, ¿no?: supongo que aquí suenan los sintes, teclados y ese aparatito tan divertido que se llama Kaossilator -nada heavy, muy trend-. Pero para volver con la época dorada de las verbenas sí que saben los instrumentos a utilizar: la guitarra clásica, la trompeta y hasta el tintineo del carrillón.

Los títulos de sus canciones dan idea del momento de crisis de valores, de decadencia, de pesimismo que atravesamos -musical también-, de aversión a la especie humana en suma. Los géneros que frecuentan no son sólo del pop hispano del momento: se escucha jazz añejo, pasodoble, noise e incluso algunas latinidades impropias.

Así son Klaus & Kinski eclécticos, perroverdes y orgullo de modernidad murciana, queriendo ser todo lo contrario. Pero siempre indies. Todo lo firma Alejandro Martínez, un monstruo el chico. La imagen gráfica la pone Marina Gómez, que por cierto es quien guía en los conciertos y canta las historias del disco -las cuáles necesariamente deben de ser leídas para comprender de qué quieren ir estos chicos-.
Mientras, la banda, seguirá criando seguidores y detractores a partes iguales.

el Grupo del lehendakari negro

2010-04-03T19:38:00.007+02:00

638 km. en furgotena se tuvieron que dar Zenttric para actuar ante 70 personas en el bonito escenario de una sala "cool" en un polígono industrial cerca de los Alcázares.

Cuando la distancia entre el público y su grupo "de moda" es corta, por muy mal que vaya la cosa, el concierto suele entrañable. Así fue: sonido regular (con problemas de microfónia incluidos), desubicación de la banda "un lehendakari negro con estilo inglés cantando en el Mar Menor" y ganas de bailar por parte del público. Britpop de penúltima oleada con canciones pegadizas como 'Limousine' o el super-hit 'Solo quiero bailar' que sonó en dos ocasiones -una con los fans invadieno el espacio escénico-. Adelantaron la nueva 'Muy claro' y reivindicaron a los Black eyed peas versionando su positiva 'I gotta feeling'.
Divertidos y frescos.

Casualmente el día anterior, los propios Zenttric fueron objeto de influencia en el concierto de 2 jóvenes bandas murcianas: Permiso denegado y Odry. Grupos de instituto y universitarios respectivamente pero con ganas de pasarlo bien y trasmitirlo a los suyos. Más convicentes los segundos, aunque seguramente tengán por delante ambos un duro camino.

Voz celestial, ironía terrenal

2010-03-28T18:11:00.000+02:00

Fátima Miranda: Cantos robados

Fátima Miranda: voz y objetos  sonoros

¿Hay que tener especial preparación para aguantar un concierto-performance para una sola voz?
A priori la respuesta es afirmativa. Esto, o bien ser bastante curioso y abierto de oídos. Minoría, vamos.

Inusualmente uno se puede encontrar ante alguien como Fátima Miranda y normalmente un exceso de agudos no se toleran tan fácilmente, pero el mantra tira y la cantante lo estira. Lo lleva de Asia a América, sacando sonidos extremos desde dentro hacia fuera, con una técnica vocal estudiada y adaptada a ella, aparentemente incompatible pero mostrando un sorprendente resultado en riguroso directo.

En su cuarto espectáculo íntegro, titulado Cantos Robados, realiza el viaje ascético en sentido inverso. Aparece en los cielos y desciende a la tierra desacralizando con objetos cotidianos los lenguajes más primitivos.
Su instrumento único es la voz a capella “apoyada por amplificación sin manipulación electrónica alguna”. En las alturas acompasada por el viento del cuerno, del chiflo, del silbato o de la trompetilla de plástico; y a ras del suelo, por un cuenco tibetano, un maletín-acordeón, un trenecito enlatado, un berimbau o un aguamanil con gran jofaina llena en dos veces para resumir el viaje ‘Entre Salamanca y Samarkanda’ (letras y música). Siempre extraña y cercana.

Agradecida ante los responsables por haberla traído en tres ocasiones en quince años a Murcia –inusual reincidencia en su específica gira mundial- se despide con un sitar al cuello y abanico en mano entonando ‘Respiros de España blues’, la única pieza con adjetivos reconocibles y que por grotesca, la propia Fátima Miranda decide desligarla del conjunto del concierto “Yo soy aquel negrito del África tropical que cultivando cantaba la canción del…” seguro que reconociendo la letra te haces una idea de la España que canta.

Incluso tuvo guiños humorísticos que, tras la estupefacción del profano, ciertamente se agradecen.

© m. tébar almansa, en Murcia a 28 de marzo de 2010

PS. la semana anterior en el mismo espacio sonoro del Centro Párraga y anticipando el Audio Box Vol. 3 estuvo el tímido islandés Ólafur Arnalds salvaguardado por un piano de cola. Invirtió parte de su ajustado repertorio (menos de 1 hora) en intentar que los samplers y sonidos atmosféricos pregrabados decorasen su música ya por si ensoñadora. Con un cuarteto de cuerda durmió a más de uno, pero de gusto diría yo. La Fragilidad de la electricidad.

el Columpio asesino y la horda del funeral obscuro

2010-03-27T13:44:00.003+01:00

Un impactacte vídeo (HD) como el rodado para presentar su último disco Angelus Exuro Pro Eternus (Regain, 2009) -votado entre lo mejor del año pasado en su género- no fue suficiente para rentabilizar el paso de la banda sueca de black metal de segunda generación Dark funeral encabezando un nutrido cartel con Zonaria, Carach angren y Nefarium. El maquillaje cadavérico, el ritmo blast beat con doble bombo saturado o el Baphomet y otras simbologías paganas parecen ya no atraer al público español, dejado llevar también por modas pese a su manifiesta actitud underground.

Simpáticos los antiteístas pese al mal sonido de la sala.

A dos días de diferencia y en otra sala cercana, la apuesta personal del cantante de los Braslips tampoco gozó de condiciones técnicas favorables. Bajo su apellido artístico: Gramolo, la apuesta es bien distinta, él se lo guisa y se lo come, pero el resultado no le hizo justicia.
Los pamplonicas de el Columpio asesino sí que las tuvieron de su parte, con técnico propio y una actitud convicente, hicieron de su rítmo -a golpe de metrónomo- contagio para un público indie ávido de raleza punk vasca. Trompeta acertada, cantante baterista, chica guitarrista, bajo "eléctrico" y guitarra canalla. Disfrute y ganas arriba y abajo del escenario.

el (ex) Enemigo, la chica del ensayo-error y los talentosos

2010-03-19T19:04:00.014+01:00

Josele Santiago puede sonar, a alguien que no sepa que los Enemigos fue uno de los mejores grupos de rock madrileño, a músico de flamenco. En cambio para los incondicionales, es un imprescindible del cancionero irracional. Anoche tocó, ante unas trescientas personas que pagaron sus dos talegos -como él diría- sin más recursos que una guitarra acústica y su voz de cazallero. Garabatos, Golondrinas etcétera y un Loco encontrao con muy mal sonido en los pasillos de la plaza taurina.

A escasos metros, y con casi tres horas de retraso sobre su cita de presentación (también) en solitario, la venezolana (afincada en Madrid) Georgina muestra la otra cara de la música. Sonriente, con un par de amigos y atreviéndose con el cuatro (instrumento) de su tierra paterna, desnudó las canciones de su debut Ensayo y error (Warner, 2009) ante un público potencial: adolescentes y jóvenes enamorados de la vida.

Al mismo tiempo, en otra sala, el jurado del concurso TalentoSOS 4.8 fallaba a favor de Varry Brava e Inkeys. Ahora a demostrarlo a lo grande abriendo el escenario con nombre de licor de hierbas, ¡Enhorabuena!.

La Shica, una supercoplera con mucha gracia

2010-03-14T20:33:00.005+01:00

la Shica: gira presentación ‘Supercop’

Elsa Rovayo: voz, samplers y baile 
Josete Ordóñez: guitarra semi-acústica
Pablo Martín Jones: batería, melódica, cajón y xilofón
Héctor González: piano eléctrico y sintetizador
Miguel Rodrigañez: bajo eléctrico y contrabajo

Si uno entra en la Web de La Shica, la chica que se encontrará es alguien muy diferente a la de esta nueva gira (ya no es la folclórica de pelo cortísimo). Pero si se accede al Blog de La Shica, la chica con corte a lo Louise Brooks besando un zapato de tacón sí que es la artista que nos esperaba sentada en un sofá rojo y escuchando la radio, desde media hora antes al inicio del concierto.

Elsa ‘La Shica’ Rovayo es una ceutí muy salá capaz de atraer la atención de todo aquel que se le ponga a la vista e incluso de llamar la atención al que llega tarde a su espectáculo. Pues como ella plantea el concierto es todo un espectáculo, aunque limitado a la improvisación casera por falta de presupuesto -no de ingenio-. Se desenvuelve muy bien dándole al palique y ni la voz ni el arte para el baile la dejan en evidencia, pues le sobra viniendo de tablaos. Antes de que alguien piense que está un poco más pa’llá que pa’cá ya se lo dice ella misma y si sucede algún mínimo fallo también se encarga de enfatizarlo convirtiéndolo en proeza.

La libertad conseguida por la mujer “moderna” la escenifica continuamente y la ironiza exagerándola, como si del fenómeno 'Señoras que…' se tratara. Pero siempre dando que pensar con tan solo leer entre las enrevesadas líneas (que para ella escribe Luis Domerq) y que La Shica rapea con un ecléctico estilo flamenco-coplero. Pudiendo recordar a los principios de Martirio, los directos de Vanexxa, la batidora de Marc Parrot o la desvergüenza de Albert Pla. ¡Casi na’!

Del primer disco repesca ‘Asesino’ “la del empujoncito a las maltradas para que griten y no callen” y la divertida “historia de una cazadora de hombres que le gusta hacerlo en” ‘el Probador’. El resto del repertorio interpretado pertenece a su reciente trabajo titulado Supercop (Warner, 2010), del que destacaría la copla-jazz ‘Mujeres’, las heterodoxas ‘Sevillanas de la liebre’ (de Lebrija), la berlanguiana ‘Mi familia y otros animales’ y la imprescindible y sensual ‘Shicaboom’.

Seguramente a la Faraona le haría gracia y a Dolores Vargas también. A mi me la hizo y el “poco pero güen” público seguro que repetiría. A-chili achili-achili-chili…

© m. tébar almansa, en Murcia a 14 de marzo de 2010

la Memoria (histórica) de Víctor Manuel

2010-03-13T19:24:00.007+01:00

Víctor Manuel: gira Vivir para contarlo 2010
Víctor Manuel: voz y guitarra acústica 
David San José: piano forte y eléctrico
Ovidio López: guitarras

Una década después de que Víctor Manuel -nunca confundir con el puertorriqueño sonero romántico Victor Manuelle- grabase en vivo (con orquesta y coro asturianos) la biografía cantada de su carrera y aprovechando el lanzamiento editorial de su cancionero con el idéntico título: Vivir para contarlo (Temas de hoy, 2007), se vuelve a enfrascar en una gira de similar repertorio pero opuesta propuesta musical.

Esta vez la escenografía se limita a una silla, un taburete y el atril con sus obras completas. Los músicos que lo acompañan: su hijo David San José sentado al piano de cola y el alicantino Ovidio López a las guitarras, son dos jóvenes maestros capaces de firmar arreglos sutiles y variados, justos y necesarios para esquematizar las composiciones del de Mieres del Campo -pueblecito al que alude en más de un tema con la nostalgia de un pasado que no volverá-.

Comenzó el recital con ‘Mis recuerdos’, como no podía ser de otra forma, Víctor Manuel en su papel de juglar va introduciendo cronológicamente durante las amenas dos horas y media un buen puñado de sencillos. Desde los primeros para Belter (‘la Romería’, ‘Abuelo Vítor’…) o para Phillips (‘Quiero abrazarte tanto’, ‘María Coraje’,…); pasando por los tiempos en que hablar en España de pacifismo, libertad de expresión, lucha obrera, democracia y amnistía a presos políticos era obligación moral para empujar a la transición; a los momentos de optimismo ‘Sólo pienso en ti/Soy un corazón tendido al sol’, ‘Luna’, ‘Esto no es una canción/Ay amor’; por las dedicadas a su ausente media naranja ‘Nada sabe tan dulce como su boca’, ‘Canción para Pilar’, a su hija ‘Nada nuevo bajo el sol’ o a las historias “que te encuentran sin quererlo” como el durísimo filicidio de ‘la Madre’; hasta llegar a los más recientes y desconocidos pero no exentos de protesta o reivindicación: ‘Ojalá tengas suerte’ (eutanasia), ‘la Doble muerte de Juan Diego’ (terrorismo/sin papeles), ‘Ella sólo supo dejarse querer’ (violencia de género) o ‘Cómo voy a olvidarme’ (memoria histórica). ‘Asturias’ quedó para la despedida entre vítores y casi todo el público en pie.

Tantas buenas canciones contadas y cantadas en primera persona, que narran la historia de la vida rural “de lo mitológico a lo cotidiano” y social de este país y la de su propia familia -no más diferente que cualquier otra-. Un ilimitado repertorio recordado por uno de los mejores cantautores de nuestra lengua, que a sus sesenta y tantos años se encuentra en mejor forma que muchos de sus coetáneos y al que lo único que se le puede reprochar, quizás sea, ese halo de lunática tristeza propio de los cáncer.

Vuelve a ser un placer reencontrase con un artista de esta talla, en distancias tan cercanas que le permitan al fan de toda una época tocar a su ídolo y justificar los aplausos merecidos.

RIP: Miguel Delibes

Vota al presidente Yo La Tengo

2010-03-13T02:01:00.011+01:00

Yo La Tengo: presentan ‘Popular songs’
Ira Kaplan: voz, guitarras, piano eléctrico y órganos
Georgia Hubley: batería, voz y guitarra acústica
James McNew: bajo eléctrico, voz, guitarra eléctrica y órganos

Al dúo formado por Ira Kaplan y Georgia Hubley –que ya cumplen las bodas de plata como matrimonio y pareja artística en Yo La Tengo (YLT)- se le unió James McNew hace casi dos décadas. Desde entonces YLT se ha erigido probablemente como una de las formaciones de culto más anti-mainstream del panorama indie rock. Sus conciertos se diferencian entre sí, no solo por el repertorio sino en los numerosos tributos que realizan en directo y que trasportan en su maleta de covers, los cambios de ritmo así como de ¿estilo? son característicos de shows poco usuales. Así que, desatascar oídos con ’From a motel 6’ -del que probablemente sea el mejor disco de su curtida carrera- en versión extensa y ruidosa para pasar a la curiosa y añeja ‘Periodically triple or double’ de su último trabajo de estudio: Popular songs (Matador, 2009) es en sí todo un índice.

El resto fue el acostumbrado intercambio continuado de instrumentos, de vocalista y de guiños de género –los 60’s y 70’s siempre como influencia-. Intimismo folkie, acoples, coros pop “turu tutu turu… para papa papa…”, distorsiones y desafines intencionados, momentos acústicos y un humor muy especial: “¿Alguna pregunta más?" Planteó el Sr. Kaplan como si de una conferencia tratase el asunto con la pareja al borde del escenario, una mano se levanta entre el público, él desciende improvisadamente y ofrece su propio micro al desalmado que pidió la palabra, para una vez concedido el privilegio no articular más que una absurda interjección: ¡Bah!…
Situación creada/ocasión desperdiciada –vergüenza ajena-.

Canciones también hubo. Y tanto, que no solo de ruidos vive YLT. Composiciones propias recientes como el funk progresivo de ‘Here to fall’, ‘If it’s true’ en la que se recuerda a los grandes James Taylor y Rickie Lee Jones –en ambas sin echarse de menos las cuerdas del disco- o el bonito tema ‘I’m on my way’ cantado por el gran McNew . Otras clásicas como el divertido falsete de los chicos en ‘Mr. Tough’, la tristona ‘Tears Are In Your Eyes’ que canta la Sra. Hubley y un final intenso coronado con ‘I Heard You Looking’, incluyendo manager al órgano y sin que uno pudiese moverse del sitio –a excepción del incombustible Elías-.

Hasta aquí hubiese sido suficiente, el bis pedido por el numeroso público no siempre es necesario, a veces se mata el buen sabor de boca que a uno le queda. Pero YLT sabiamente eligieron para despedirse un curioso set con el tema de Peter Stampfel ‘Griselda’ grabado en su compilación Fakebook ¿Alguien ha pensado: Adelantados?, la eléctrica versión de los New York Dolls ‘Puss n boots’ con la ayuda del pipa al bajo y para terminar en plan campechano ‘Alyda’ del disco President Yo La Tengo.

Pues esto mismo digo.

© m. tébar almansa, en Murcia a 12 de marzo de 2009

MONO, mejor en Alta Fidelidad

2010-03-08T15:28:00.016+01:00

Mono: gira ‘Hymn to the Immortal Wind’

• Yoda: guitarra eléctrica
• Takaakira Goto: guitarras
• Yasunori Takada: batería y sintes
• Tamaki Kunishi: bajo

Domingo lluvioso. La sala a 4/5 de su aforo. El escenario sudado por el buen hacer de la banda local Noise box. En el nutrido puesto de merchandising venden ¡earplugs! y mucho vinilo. Una overtura de Górecki anuncia algo seguro. 23:45 comienza la sinfonía sónica con el timbre del glockenspiel.

Mono son cuatro nipones, que pasarían por ser de lo más post-rock si viniesen de Nueva York -donde ya han demostrado triunfar una década después de su debut- y por los que más de un iniciado hubiese cambiado la última entrada para ver a los estancados Mogwai.
Como a muchos músicos de la generación shoegazing es difícil mirarlos a los inquietantes ojos, más aun si apenas se levantan de la silla -a excepción de la bajista Tamaki Kunishi-. Posición cómoda para poder arrodillarse ante sus inprescindibles pedales de efecto: reverb, delay, distorsion, … y crear las atmósferas necesarias. El Himno al viento inmortal tal como lo definen en su (ya) penúltimo trabajo.

Pero el riesgo de acostumbrarse a la sonar con verdaderas orquestas de fondo, es lo que se notó en el concierto. Sinfonías bellas pero faltas de arreglos, a medio camino de mostrar su potencial eléctrico y algunos trallazos guardados en la recámara para otra gira.

Increibles sonaron los silencios, hasta se podían sentir las cámaras digitales congelando momentos. Nueve temas instrumentales en hora y media -es fácil sacar la media- sin opción a prórroga. Dosis suficiente de minimalismo y volumen comedido. Elegancia e intensidad que darían mucho más.

¿Qué hay mejor de hacer un domingo por la noche?
Quizás escuchar a Mono en un equipo analógico de Alta Fidelidad junto a una persona querida.

agradecido por la foto a Francisca Pageo

los Críticos, ya sabes, son músicos frustrados

2010-03-02T10:10:00.014+01:00

En su columna de los lunes del periódico ElPaís 'Universos Paralelos', el maestro Diego A. Manrique se encuentra con el Go-Betweens Robert Foster y resume el primer libro que éste ha escrito tras cruzar la frontera en sentido contrario:
the 10 Rules of rock and roll: collected music writings 2005-2009 (Black inc, 2009).
¿Conoces más críticos frustrados de este calibre? por ejemplo: Elliott Murphy.
1, 2, 3 responda otra vez…

the Sound of music

2010-02-28T20:56:00.016+01:00

Alondra Bentley interpreta "Ashfield Avenue"

con Orquesta de Cámara
• Alondra Bentley: voz y guitarras 
• Xema Fuertes: guitarras, teclados, acordeón, timple, banjo y coros
• Caio Bellveser: contrabajo, piano forte y coros
• Pepe Andreu: trompeta y fiscorno
Cuarteto de cuerda
• Álvaro y Lorenzo: violín
• Uri: viola
• Clara: violoncelo

¿Si no es la primera vez que Alondra Bentley presenta “oficialmente” en Murcia las canciones de su disco de debut Ashfield Avenue (Absolute beginners, 2009), ni aun ha sido reconocida como cantautora revelación, ni ha sonado en radios más allá de la minorista Radio 3 –que la apoya incondicionalmente- cómo es posible que se llenase la sala Narciso Yepes cobrando entrada?.

Este hito, doblemente meritorio en los tiempos que corren, se debe ni más ni menos a sus factibles canciones y a su grácil voz. Visionadas con amor por el productor, técnico y baterista Cesar Verdú, acertadas en sus arreglos por el pianista Joserra Senperena y conquistadoras en reproductores de discos de la mayoría de los presentes “cuando conseguí el disco estuve escuchándolo con la opción repeat all durante días” –decían a mi alrededor, corriendo el riesgo de sobredosis glucémica-.

La sucesión de formatos en directo, a los que nos ha venido acostumbrando Alondra en este último año, llegó a su máximo esplendor en el concierto único que aquí se describe. Sola solita, escoltada por “sus Maderitas" Xema y Caio, con la acertadísima incorporación al fiscorno y a la trompeta (con o sin sordina) del "Bicho" Pepe Andreu o bien con un cuarteto de cámara como regalo durante la mitad del repertorio. De todas estas configuraciones destacaría, sin dudar, los matices de metal por encima de las espectaculares cuerdas y evidenciaría que no se echa de menos la primigenia figura de chica folky mucho más monótona. Una banda a medida así, le permite estar más suelta –a pesar del catarro arrastrado- y defender como propias versiones de Simon and Garfunkel, Donovan, Nick Drake o Burt Bacharach.

En el escenario, la arropada Alondra estuvo comedida en comentarios (más allá de los habituales a su progenitor) y lógicamente intimidada por el aforo lleno de caras conocidas. Enfrente, un público anglófilo siempre silencioso, agradecido y expectante, mecido por el recital del todo conocido -a excepción de algún estreno como lo fue ‘One friday morning’- que terminó en pie como viene siendo costumbre ante su camarera favorita. Seguro que proximamente se volverá a repetir esta escena bucólica, con similares protagonistas y figurantes de una película musical que inevitablemente recuerda el ambiente de Sonrisas y lágrimas.

Yo volveré a echar de menos una pizca de picardía en pos de tanto candor, mientras que algunos podrán continuar las comparaciones insanas y malévolas. Hasta entonces Alondra Bentley sí que puede sentirse profeta en su tierra (adoptiva).

© m. tébar almansa, en Murcia a 28 de febrero de 2009

Forza, saluti a tutti, bacioni, auguri, in bocca al lupo, arrivederci ed a presto Pino!

2010-02-18T23:47:00.006+01:00

Mi mas sincera enhorabuena al Sr. Juan de Pablos por su Premio de la Música en la víspera de su cumpleaños, que no hace más que eregirlo como voz entrañable e inigualable del panorama radiofónico.
De Pablos lleva más de 3 décadas ejerciendo de auténtico pinchadiscos, narrando con su peculiar manera la historia viva y muerta de la música popular. Y yo, desde este humilde espacio, le agradezco las tantas horas que (durante más de 20 años) he dedicado a tomar apuntes escuchando a este monstruo y a su Flor de Pasión.
¡Viva el Pop! ¡Vivan los Maestros!

PS. Igualmente felicito a la emisora Radio 3 también premiada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes -al tiempo que al injustamente maltratado Kiko Veneno- que nos permite tener un oasis musical (desprovisto de publicidad) en el desierto herziano de este país.

Sostenible música tradicional

2010-02-14T16:34:00.007+01:00

Taray: presentación del disco ‘Folkresort’

· Mari Cruz Sánchez: voz 

· Tomas García: laúd español

· Manuel Sánchez: guitarra acústica y guitarro

· Alejandro López: guitarra española y coros

· Constantino López: bajo eléctrico

· Francisco Adolfo López: batería y cajón

Invitados:

· Miguel Ángel Montesinos: voz

· Julián Cabello: flautas y saxo soprano

· Jota Martínez: zanfona

· Juan José Robles: bandurria

· Francisco M. Ponce “Lagunero”: guitarra española

La tercera -¿quizás última?- apuesta del sello Tres Fronteras ediciones, dependiente directamente de la buena voluntad de la Consejería de Cultura de la Región de Murcia, ha recaído como bien se anunció en la agrupación de folclore Taray. Que con el acertado e irónico título Folkresort, vuelven a reivindicar las raíces musicales de esta tierra y como ellos mismos apuntan “esconde una reflexión sobre el progreso desmesurado e irreflexivo, al desarrollo insostenible y al desarraigo cultural de los pueblos”.

Es muy curioso notar, que los grupos o solistas de la cantera regional tan solo puedan pasar por las salas con los mejores medios técnicos el día de su puesta en largo. ¡Si es que con suerte lo consiguen!.

Los nervios lógicos por lo anteriormente expuesto, se hicieron notar, y más tras la responsabilidad de tener que demostrar las amables palabras de la presentadora, ante parientes, amigos, conocidos y los escasos amantes de unas músicas -que suenan mejor en una soleada mañana de domingo que en la lluviosa noche del sábado-. Comenzaron a tres voces y panderetas con la bonica jota tradicional ‘la Yerba es buena’ para irse por ‘la Calle grande’, de una manera mucho más comedida que al repetirla en bises, contando en ella con la bandurria del antiguo miembro Juan José Robles –ahora en la Banda del Pepo-.

Taray nos canta a través de la antigua ‘Comarcal-415’, con la zanfoña invitada de Jota Martínez, el Noroeste murciano donde probablemente mejor se conservan las tradiciones de esta Comunidad Autónoma, a veces olvidado injustamente. Añoradas costumbres, como las letras pícaras presentes en los aparentemente inocentes palos típicos o los bailes casi extintos como las geringonzas, en las que el público infantil invitaba a unirse al resto de asistentes.

El primer punto emotivo del recital lo puso la nueva vocalista: Mari Cruz Sánchez, pidiendo “a traición” a Miguel Ángel Montesinos (cantante saliente del grupo) subir a cantar una malagueña propia de la víspera de San Valentín. Volverían a reunirse, para interpretar con mejor resultado la alegre seguidilla parranda escrita por el emocionado Montesinos, al igual que el sentido aguilando huertano dedicado “a los nuestros”. La maravillosa voz de Mari Cruz es una apuesta acertada de Taray, que en palos como estos o la anterior ‘Nana del mar’ puede evocar a la flamenca Lola Montoya.

Para el segundo momento conmovedor, invitó al toque a un joven y virtuoso guitarrista cuadrillero conocido por el Lagunero. Y nos recordó pelín acongojada “…el reconocido Tito Ángel de la Malagueña pequeña era mi tito, el cual me introdujo en la recuperación de estas músicas…”, uniendo esta sola copla a la seguidilla, destacando su impresionante parte instrumental “galáctica”.

Con unas modernas ‘Alegrías mayores’ que dicen asín “Cómo quieres que quiera lo que tú quieres… yo quiero a los hombres y tú quieres a las mujeres…” y manifestando “esperamos haber tocado vuestro corazón y orgullo murciano con estas canciones, pues esto es parte de vuestras raíces” se despidieron agradecidos.

¡Ay lerele, lerele, lerele, lele! Pues no va a ser todo pop-rock ni músicas cultas.

Cometa Hawley

2010-02-13T01:09:00.004+01:00

Como un gran cuerpo celeste acaba de pasar por Murcia Mr. Richard Hawley, con su último y flamante disco Truelove's Gutter (Mute, 2009) siendo el eje principal del concierto y con joyas como la impresionante 'the Ocean' que aun suena en mis oídos.
Se podrá uno sobar con su música, mucho más difícil hacerlo en directo -sobre todo si se ama la guitarra-, pero dormir de gusto en vez de muermo es todo un placer para los sentidos.
PS. ¿Se habrá acordado alguién de la antigua banda de su amigo Jarvis Cocker?
Yo, no.

Casi nada quedó de la Noche Americana

2010-02-12T15:28:00.008+01:00

Quique González: gira presentación ‘Daiquiri Blues’

· Quique González: voz, guitarra acústica, teclados y harmónica

· Javi Pedreira: guitarras

· Toni Jurado: batería

· Julián Maeso: teclados, órgano Hammond, piano y guitarra acústica

· Jacob Reguilón: bajo y contrabajo

Quique González, el cantautor rock con uno de los mejores repertorios de canciones de panorama español, comenzó su concierto, con el homónimo Daiquiri blues (Last Tour Records, 2009) sentando base a lo que sería una presentación del nuevo trabajo en toda regla, ante un auditorio que presentó un muy buen aspecto.

Los matices de sonido americana perseguidos en los últimos tiempos, y culminados con la grabación en Nashville junto a Brad Jones, los acaba de abandonar (a mitad de gira) para recuperar la complicidad que consiguiese con La Aristocracia del Barrio y, así, ha sustituido el sonido de la pedal steel por la vivacidad de un guitarrista como Javi Pedreira -que no tuvo su día-. Sonando más a banda de andar por casa a riesgo de perder algunos bonitos matices presentes en los discos, sobre todo tratándose de girar por teatros era la oportunidad.

El bueno de Quique es un tipo sincero, que ha aprendido de los grandes y que tira siempre pa’lante. Respetándose es la manera de hacerse respetar. Creciendo artísticamente, haciendo legión, escribiendo historias a medida de cada uno que se para y las escucha y las re-escucha y espera que llegue pronto otra remesa más. ¿Quién no ha escuchado eso de “ésta que suena es la mía, porque cuenta como me siento?. Intemporalidad lo llamarían los Secretos.

Parece que el “ajuste de cuentas” es etapa pasada y ahora, lo que se trata es de configurar otra docena de hits resultones. Pero en directo aun ha de encontrar el tempo justo, el equilibrio entre las nuevas canciones -sonaron 13 de 13-; dedicando la íntima ‘Algo me aleja de ti’ a su autor y admirado J. I. Lapido y destacando ‘Su día libre’; y las que va repescando de su buena discografía: ‘Hay partida’, ‘Te lo dije’, ‘Ayer quemé mi casa’ ‘Y los conserjes de noche’ –totalmente cambiada a lo Springsteen en the Ghost of Tom Joad- o la eficaz ‘Miss camiseta mojada’ para despedirse en primera fila. Casi nada quedó de la Noche Americana.

En directo a él le gusta eso de dividir partes, sentarse al piano, “desnudarse”, tocar en trío y volver con la banda sonando mejor pero sin conseguir el nivel deseable. Es el jefe, lo sabe, pero se arropa en sus músicos para vencer la aparente timidez y poder creerse que sus poses de roquero no están ensayadas frente al espejo. ¡Y qué pasa si así fuera! Quique González es uno de nuestros songwriters favoritos.

Intonarumore de Parade

2010-02-07T14:04:00.005+01:00

Parade es Antonio Galvañ. Un compositor yeclano que ya no tiene 22 y que ni siquiera parece habitar entre nosotros, los humanos (corrientes). Pero a través de su estación espacial se aproxima a la tierra como un asteroide, no con la frecuencia temporal que desearíamos, unos pocos de nosotros, los friquis (los sensibles). El sello indie Jabalina (2010), ilusionado por tenerlo entre sus artistas, nos abre las puertas de Intonarumore -el estudio de esta estrella brillante murciana que no debería de extinguirse jamás- y del más allá. 20 piezas seleccionadas de los 5 trabajos registrados en la primera década más 29 rarezas (versiones, tributos, maquetas, jingles, …). En el futuro (o en la sci-fi) la música no podrá sonar de otra forma que no sea metálica o electrónica y Parade lo sabe, lo ha estudiado durante una vida. Así que las líneas de piano de cola han de trasformarse para sintetizadores y las orquestaciones deberán enlatarse en cajas de ritmo -la melodía pop, parece ser que sobrevivirá, como el buen jazz- ¿Y el cine? ¿Y la literatura? Todo tiempo pasado fue mejor. Los zombis, mutantes y cualquier otra alteración genética, así como el último hombre vivo, tendrán otras maneras de comunicarse. Como en cualquier cuento imaginado, algunos personajes inventados cobrarán vida. Con sus usos y costumbres, no tan diferentes a los nuestros (los sinvalores). De todo esto ya nos viene avisando Parade, con una de las propuestas musicales más interesantes, particulares y meticulosas del panorama nacional. Componiendo, ejecutando y cantando algunas de las canciones más ingeniosas en lengua española. De Bowie a Berlanga, pasando siempre por la bella Italia con el Joe Meek’s sound de los años 50 en la cabeza, con destellos de la era psicodélica o lo mejor del estilo glam en las retinas de sus iconofráficas gafas de pasta. Las canciones de Intonarumore son pretérito, pero seguramente suenen a presente pasado mañana. Porque están echas con la materia y la ciencia necesarias para perdurar cuando ya no se cuenten historias, al haber superado la realidad a la ficción en los tiempos venideros.
© m. tébar almansa en Murcia, a 7 de febrero de 2010

III muestra internacional de música alternativa

2010-01-29T22:30:00.000+01:00

Lo de allá por lo de acá

2010-01-28T09:22:00.010+01:00

Regreso a mi espacio musical (sin cortes ni prisas), habiéndome perdido el que probablemente haya sido una de las visitas destacadas del nuevo año: le monsieur Dominique A. Pero con el consuelo de haber visitado dos míticas casas de conciertos australianas y degustado, en ellas, a dos de los solistas más interesantes de la escena mundial (aún inéditos por estas tierras):
Andrew Bird en la Sydney Opera House y
Joanna Newsom en the Tivoli .
Ambos músicos tocan cuerda, violín él y arpa ella, sus canciones no puede decirse que tengan precisamente la estructura pop al uso pero sí que cautivan y emocinan. Los dos directos colgaron el cartel de sold out y se hicieron telonear por interesantes aussies artist.
Noches mágicas pese a contar con poca financiación pública.
Con sensibilidad se nace y los malos hábitos se hacen.

PS. por cierto, llegué a tiempo de ver el bolo de Cracker en el 12&medio, pero mi jet-lag y el olvidarme de echar peste a humo al salir de los garitos (sin la incompatibilidad con degustar maravillosas beers), me hizo preferir ayudar a ordenar una discoteca con solera.

RIP amigo Javi

Pareja ganadora de ases flamencos

2009-12-18T13:08:00.003+01:00

Tomatito y Diego el Cigala: último concierto ‘09

· Diego ‘el Cigala’ Ramón Jiménez Salazar: cante 

· ‘Tomatito’ José Fernández Torres: toque

Una década de años separa a dos de las figuras más representativas e internacionales del panorama flamenco actual: Tomatito y Diego el Cigala -aunque por el aspecto quién diría que es mayor el primero de éstos- y verlos juntos hace inevitable rememorar la figura del Camarón que marcó a ambos, aunque seguramente de manera distinta.

La sala grande del auditorio Víctor Villegas volvió a presentar un saludable aspecto, con mucho público del que se deja ver poco por esos recintos tan institucionales. Los gritos y peticiones desde el patio de butacas anunciando los días de fiesta venideros, fueron animando las puestas en acuerdo de los dos músicos curtidos en escenarios de primera.

Comenzó el Cigala a pelo. Como un valiente, sin más acompañamiento que un cubalibre de naranja que consumiría en el trascurso de la hora y media de recital. Cante grande, como no podía ser de otra manera. La voz bonita, la pose chulesca –casi siempre-. Tomatito en cambio tiró de palmeros y percusión para relevarlo e ir tensando las cuerdas de su guitarra. Es otra actitud, la de la humildad del eterno aprendiz que no se las da de haber llegado a ser maestro. Un simple rasgueo suyo y ¡guaauuu!

El primer momento en que los dos protagonistas de la noche quedaron auto-acompañándose, respetuosamente, lo dedicaron al principal cante de nuestras tierras: la minera. Para continuar el concierto irían alternándose con el cuadro flamenco completo y, como no podía ser menos, con un impresionante solo de baile.

Quizás los últimos descubridores de la figura de Diego Ramón Jiménez Salazar (el Cigala) esperasen -al ver salir a un segundo guitarrista y al contrabajista en el tercer cuarto del concierto-, el repertorio cancionero popular con más entusiasmo y los primeros versos de la copla ‘María de la O’ no tardaron de levantar en aplausos al público. Unas bulerías seguidas y José Fernández Torres (nombre de pila del nieto de ‘el Tomate’) dispuesto relajado a tocar con las piernas descruzadas, a lo tradicional, como restando dificultad a su virtuosismo. La voz cálida, cercana, camaroniana –limitada como al final el ‘de la Isla’- evidentemente no es para menos.

Conocido es que los flamencos para los bises suelen ser un poco tacaños –en general para todo- y tras los bonitos fandangos que se marcaron por última vez en binomio, con los carraspeos característicos de el Cigala y el toque seguro de Tomatito, se despidieron en familia con aires un poco más festeros. ¡Felices Pascuas y gracias por venir a nuestro recital de flamenco!, un servidor echó en falta algún villancico.

lo que vi y no escribí (XII)

2009-12-12T13:11:00.011+01:00

Kevin Johansen con Liniers ★ ★ ★ ★;
Cassandra Wilson+John Scofield ★ ★ ★; la Bien querida ★ ☆; Skye Edwards ★ ★ ☆;
Tosca by Scottish opera ★ ★ ★ ☆

Chicas de nostalgia

2009-11-21T21:11:00.004+01:00

Rickie Lee Jones + Imelda May

Rickie Lee Jones: voz, guitarra acústica, piano y percusión 
John Kirby: teclados, piano y guitarras
Joey Maramba: contrabajo eléctrico

Imelda May: voz y bodhrán
Darrel Higham: guitarra
Steve Rushton: batería
Al Gare: contrabajo y bajo eléctrico
Dave Priseman: trompeta, fiscorno y percusión

En un concierto doble de féminas, no raramente parece que suceda algo diferente a si el cartel lo hubiesen formado nombres masculinos. La comparativa inmediata es: la pose en pos de la experiencia, en segunda apreciación: la tendencia se impone a la intemporalidad y por último: la predisposición del espectador será la que marque diferencia.

Rickie Lee Jones, americana de 55 años con doce álbumes de estudio, regresa a lo básico de la canción de autor. Composiciones balsámicas en primera persona -como ella misma apunta y de hecho se aprecia-, concierto en trío con instrumentación mínima y detalles para degustar sin prisa alguna. Como si estuviesen tocando en el terreno de casa campestre que en su web ella misma fotografía. Lo de la voz es un misterio, qué tre décadas después de su primer éxito ‘Chuck E’s in love’ siga sonando prácticamente igual de limpia, cándida y habilidosa para desconcertar del agudo al grave en una misma estrofa, debe ser cuestión de serenidad interior más que del devenir vital de una señora aguerrida.

Casi todo el concierto de lo pasó Lee Jones guitarra en mano, sin aparentar importarle cantar al micro y de vez en cuando acordándose de menear la tobillera de cascabeles o cualquiera de los análogos dispersos por encima del piano –efectivamente, al más puro estilo hippie- pero cuando se sienta frente a este último instrumento se transforma en la narradora de historias al más puro estilo.

Imelda May, irlandesa de 35 años con dos trabajos a su nombre (el primero con el de pila), es por revival una de las sensaciones del momento. Ciertamente, ceñida en un vestido estampado llamativamente con rosas y sobre sus 12 centímetros de tacón rojo, parece toda una lolita. El tupé rubio y la cola de caballo morena, delatan su estética teddy girl propia de una buena amante al rocanrol y su potente voz de garganta le ha valido para acompañar como corista a estrellas internacionales de primera línea.

Desde el homónimo ‘Love tatoo’ -primer trallazo rockabilly de la noche- el público más aparentemente aficionado a la estética de los años 50, fue apelotonándose en los flancos del escenario y puertas de acceso para dejarse bailar ante la energía que desprende en directo Imelda y su banda de sonido low-fi, encabezada por su marido Darril Higham. En la sensual ‘Big ban handsome man’ cuesta creer que no se enorgullezca este efectivo guitarrista o en la balada negra ‘Knock 123’ que alguien no caiga rendido. La potentísima ‘Watcha gonna do y el no menos ‘Johny got a boom boom’ –golpeando orgullosa el bodhrán- sirvieron para poner punto y final a su repertorio.

Para el bis nos reservó las versiones del ‘Tainted love’, ‘Rollin’ and tumblin’ y una del Rey de rock –no podía ser menos-. Ambas chicas, anoche demostraros que hay estilos que no pasarán de moda, todo lo contrario.

© m. tébar almansa, en Murcia a 21 de noviembre de 2009

Al final, quedará el silencio

2009-11-20T20:26:00.000+01:00

Ryūichi Sakamoto: gira Playing the piano_Out of Noise 2009
Ryūichi Sakamoto: Piano de cola y samplers
Jasen Hattams: ingeniero de audio

Aforo lleno, una larga cola para poder coger el mejor de los sitios, con bastantes aficionados a la música clásica (contemporánea) y curiosos, todo a tiempo, en el escenario dos pianos enfrentados, un Yamaha de larga cola y otro de media ¿Pero no era la nueva gira en solitario tras diez años de Ryuichi Sakamoto? Se apagan las luces, se envuelve el teatro en silencio, un tenue foco ilumina la figura del poliédrico instrumentista japonés… suena el corazón del océano Glacial Ártico por diez minutos, los motivos proyectados ayudan aun más a relajarse, los mensajes medioambientalistas no tanto.

‘Hibari’ es la preciosa melodía que abre el último trabajo de Sakamoto: Out of Noise (Commmons, 2009) y con ella ya demuestra cuál es el truco. Las líneas de piano por él ejecutadas las manda a grabar en tiempo real, con disimuladas señas, al ingeniero de sonido que se oculta enfrente suya. Éste las samplea y las envía a al piano “vacío” aparentemente sonorizado con butaca libre. Las teclas se mueven, por arte tecnológico, en un metafórico diálogo con su silencioso compañero de carne y hueso.

Un tercio del setlist lo destinó a este viaje naturalista de alerta, inspirado seguramente por el silencio del revolucionario compositor John Cage y paradójicamente escuchado en medio del caótico mundo actual, que hace fracasar protocolos como el de Kyoto.

A la obsesiva y metálica ‘Composition 0919’ contrapuso la poética afirmación ‘a Flower is not a ﬂower’. Las de corte clásico como ‘Energy ﬂow’ casan perfectamente con las más new age como ‘Happy end’ y las famosas ‘Tango’ o ‘the Last emperor’ son las que nos evocan ese cine que tantas bandas sonoras le debe al minimalista pianista que, seguramente, con ‘Tibetan dance’ fuesen las más conocidas por el gran público –entre el que más de uno no dudo en echar una cabezadita-.

Sakamoto, sin ni siquiera dar un trago del pequeño termo de diseño que exhibía junto a su aparato de frecuencias –bien es cierto que si no habló ni palabra tampoco lo necesitó-, cogió sus flores, saludó educadamente a sus paisanos y desapareció tras la reconocible ‘Merry Christmas Mr. Lawrence’ envuelto en una ovación meritoria por el maravilloso ambiente creado.

© m. tébar almansa, en Murcia a 20 de noviembre de 2009

la Memoria musical de Miguel Poveda

2009-11-19T20:01:00.003+01:00

Miguel Poveda presenta ‘Coplas del querer’

Miguel Poveda: voz 
Joan Albert Amargós: sintetizador y piano de cola
Juan Ramón Caro: guitarra flamenca
Antonio Coronel: batería
Horacio Fumero: contrabajo
Julián Sánchez: trompeta
Carlota Amargós: violín
Paquito González: percusión
Luís Cantarote y Carlos Grilo: coros y palmas

¿Ha dejado alguna vez Isabel Pantoja de ser actualidad? La pregunta tiene trampa, pues aunque la folclórica viva más famosa de España sea continua noticia por su sensacionalistas capítulos, no se le podrá desmerecer el papel de continuadora del genero de canción ligera más poético de nuestro país: la copla andaluza.

Seguramente la Pantoja no haya aportado modernidad al género, como sí hizo el desaparecido Carlos Cano, aunque indudablemente -de mano de alguno de los maestros de la época- ha contribuido a que no se pierda un estilo musical -teatral como pocos- llegado a su decadencia gracias al franquismo y recuperado en los últimos años, por alguno de los artistas de distante generación con un espíritu renovador y ecléctico similar al del granadino.

El caso del flamenco Miguel Poveda, no será el último, pero sí uno de los más interesantes. Como el chico de Badalona de tonto no tiene un pelo, se ha buscado para ajustarse las canciones –¿o debería decir las coplas?- a uno de los más ilustres arreglistas: Joan Albert Amargós. Parece que, pese a su edad, el cante grande se le queda pequeño al gran Poveda y se divierte por tangos (argentinos), por canciones populares (catalanas), con orquestaciones o con las andanzas andaluzas inmortalizadas por Antonio Quintero, Rafael de León, Manuel Quiroga y el Maestro Solano y revisadas por Amargós, con deliciosos mantos de violín y contrapuntos jazzísticos de trompeta.

En las Coplas del querer (Universal, 2009) en vivo, una pizca de fragmentos le sirve al cantaor para calentar la garganta y el camaroniano ‘Sere… Serenito’ para despedirse concienzudamente con aires festeros. En el par de horas de concierto de en medio, se sucedieron prácticamente todas las piezas seleccionadas para el álbum doble, la granaina ‘Carmen del agua’ con autoría del propio Miguel, el pasodoble ‘la Senda del viento’ dedicada a la bailaora Carmen Amaya, el emotivo popurrí homónimo con el único acompañamiento a la guitarra de Juan Ramón Caro –sustituyendo a Chicuelo- al que se le permitió una pieza instrumental, la preciosa canción ‘A ciegas’ recuperada por Alberto Iglesias para los Abrazos rotos y una cartagenera en agradecimiento al público del 29º Cartagena Jazz Festival.

Ciertos casi todos los piropos que, abusando de confianza, se le gritaron desde las butacas: simpático, bien dotado de voz y formas, joven maestro, didáctico, ameno y dedicado… Nos brindó algo de flamenco, pero ese es su día a día, anoche demostró que la copla seguirá viva, siempre que artistas como Miguel Poveda mantengan su memoria histórica.

© m. tébar almansa, en Murcia a 19 de noviembre de 2009

Apenas una historia de América

2009-11-02T19:48:00.006+01:00

Elliott Murphy: Europe autumn tour 2009

Elliott Murphy: voz y guitarra acústica
Olivier Durant: guitarra acústica
Alan Fatras: batería y pandereta
Laurent Pardo: bajo eléctrico

Para la inmensa mayoría de fans de Bruce Springsteen el nombre de Elliott Murphy -parisino de adopción- no les dirá nada, o si lo hace pudiera ser para referirse a él como “el amigo americano coetáneo que se sube como invitado a su escenario” cada vez que ‘el Jefe’ pasa por la capital francesa.

Pero no termina en anécdota la similitud con la estrella del rock made in USA, apariencia física saludable aparte. El señor Murphy casi siempre está de gira, unas veces en acústico, otras con una reducida banda llamada curiosamente the Normandy All Stars, como es el caso que nos ocupa, pero de una u otra forma desde hace 10 años con su inseparable guitarrista Olivier Durand. Y entre conciertos escribe. Canciones, novelas o artículos-historias de periodismo musical. La adicción demostrada hacia el Rock’n roll y la religión profesa hacia la escritura, lo aproximan también a songwriters deudores de Dylan como se aprecia en ‘You'll never know what you're in for' o de Young en ‘Diamonds by the yard’, aunque su escuela poética sea el New York de la Velvet Underground.

El Elliott Murphy, maestro de la palabra, nos llevo por el camino durante dos horas y cuarto canción tras canción. Si tras su primer éxito (y décima en la lista) ‘Last of the Rock stars’ hubiese querido terminar, lo podría haber hecho. Las fantasías comunes de cómo sentirse un Rolling Stone introduciendo su ‘Mick’s dream’, los agradecimientos a Murcia aprovechando la dedicatoria a la madre del cantante en ‘Pneumonia Alley’, la harmónica al cuello y unos cuantos nutridos punteos del escudero Olivier- sin cambiar de guitarra acústica, a pesar de los sonidos eléctricos sacados al instrumento- habrían sido suficiente.

El público los congratuló alzándose de sus butacas en casi la mitad de los temas, respetando los momentos de ensoñación y arrancándose por palmas -más de lo necesario- para mostrar el respeto al artista. Momentos que tan solo hicieron preceder al obligado (y agradecido) recuerdo al padre del propio Murphy con la spoken ‘On Elvis Presley’s birthday’, al impresionante solo de Durant en ‘a Touch of kindness’ o al slide de la reciente ‘and General Robert E. Lee’ que los llevó a un nutrido y acalorado bis.

Terminando con una ‘Rock ballad’ y un ‘Drive all night’ a pelo, de allá por el año 1977. Demostrando ser una historia real en segundo plano, pero dichoso con la libertad que le permite esta misma.

© m. tébar almansa, en Murcia a 02 de noviembre de 2009

lo que vi y no escribí (XI)

2009-11-01T09:04:00.003+01:00

Staatskapelle Dresden ★ ★ ★ ☆; Tsukiko Amakawa & Jazz Noize ★ ★ ☆; Amancio Prada ★ ★ ★; Nina Hagen + las Furias ★ ★ ★ ★ ☆; Scott Matthew ★ ★ ★ ★; los Chichos + los Delinqüentes ★ ★ ☆

Andrés Calamaro, del estadio al falso escenario

2009-09-27T19:05:00.006+02:00

Andrés Calamaro: gira española 2009 (2ª parte)

• Andrés Calamaro, voz y guitarra
• Tito Dávila, teclados
• Candy ‘Caramelo’, bajo y coros
• ‘Niño’ Bruno, batería
• Diego García, guitarra
• Julián Kanevsky, guitarra
• ‘Geni’ Galo Avelló, guitarra

A trece meses de su anterior visita a la región murciana, Andrés Calamaro sigue contando con los idénticos músicos para presentar su antología Obras incompletas (Warner, 2009) en directo por territorio español. Empezó y terminó igual que entonces. Leyó del mismo atril que el pasado año. Más distante quizás pero con idéntica actitud roquera. Distinta sensación. Aquel día de extraño verano fue en un centro comercial y esta noche de otoño extraño, se programó la segunda de las actuaciones de su mini gira en un resort (little Dubai replica, AC dixit):
“Polaris es otro planeta, construido en el medio de la nada (respetablemente) parece un decorado de televisión, se inunda y huele a cloacas (literalmente); sin embargo es planet-murcia (el levante) & acá los recitales siempre son buenos y acompaña mucho publico que, de una manera y otra, llega hasta donde haga falta para ponerle color al tema.”

Al pronóstico de tormenta y alto precio de las entradas, el público fiel espantó. Y el limitado escenario del Trumanshow of Balsicas se llenó –sin dificultad, ante la escasa posibilidad de ver adecuadamente los bolos desde cualquier punto de la plaza de restaurantes improvisada-. Casi imposible fue acercarse a por algo de beber, comer o hacer otros menesteres.

Hubo para todos los públicos, desde el iniciado calamariense, al neófito empachado de grandes éxitos y basta, pasando por el nostálgico de esa importante banda que ya nunca volverá (los Rodríguez) o el pijo que pasaba por allí a ver si se le pega algo de experiencia vital. Andrés parece estar de vuelta y canta para todos y todos cantamos para él. Primera época, auge, caída, folk y vuelta.

Nuevamente sin tocar teclas, Calamaro acomete conciertos de un par de horas de duración con la intención de crear un muro de guitarras y letras que quiten el aliento. Sin pausa, sin más palabras que las que canta el público. Desprovisto del glamour de sus distintas vidas quemadas, los gestos y giros vocales siguen siendo la marca de la casa. El repertorio y el buen hacer de la banda lo dicen todo, rock y canciones mayúsculas. De hay que, entre la treintena de temas con que repasan la carrera compositiva del argentino, encajen a la perfección los injerto-tributos a la música popular: ‘Jumping Jack flash-el Salmón’, ‘Walk of life-Salud (dinero y amor)’, ‘Stairway to heaven-el Día de la mujer mundial’, ‘Volver-Flaca’, ‘My way-Crímenos perfectos’ o ‘No woman no cry-Paloma’.

Sería injusto criticar negativamente al personaje más allá de su obra –que cuesta contabilizar por centenas- con lo será de justicia destacar lo desubicado que se demostró el entorno elegido para un concierto del tipo. Aunque al fetichismo de Andrés Calamaro le consuele haber dormido en la misma suite del también genial Woody Allen, seguramente sus himnos suenan mejor en “la cancha”.

© miguel tébar almansa, en Murcia a 27 de septiembre de 2009